arte transforma as pessoas ....

ARTe faz as melhores pessoas e transforma as crianças em melhores alunos, CONFIRMA ESTUDo,

Um estudo publicado como a abordagem da arte tem impacto nos estudantes.

Alguns concordam que a arte é uma parte importante da educação básica. Porque a tendência em planos de educação em vários países inclinando-se para as ciências e linguagem, os cientistas sociais da Universidade de Arkansas fez um experimento para testar os benefícios do ensino da arte nas escolas. 

Em um estudo publicado em Educação avançada e pesquisa da educação, foi dito que os estudantes expostos a instituições culturais, como museus e centros de artes cênicas, não só têm altos níveis de compromisso com as artes, mas esta abordagem gera mais tolerância, empatia histórica, melhor memória educativa e pensamento crítico. 

"As mudanças foram significativas", disse Jay P. Greene, professor de reforma da educação e pesquisador do estudo. Em particular as turnês em museus tem uma boa impressão definitiva sobre os alunos. De acordo com Greene, os estudantes de turismo lembram melhor o que haviam aprendido "mesmo sem um motivo externo para fazê-lo, como uma licenciatura ou exame. 

Quando o Museu Crystal Bridges of American Art inaugurado em Betonville, Arkansas, há dois anos, OFERECEU visitas a 11 MIL ALUNOS em museus . Cada grupo de visitantes (escolhido por sorteio) via cinco pinturas em uma hora. Os passeios foram especialmente destinado a estudantes, isso significa que os curadores não foram dar palestras, mas deram o mínimo de informação sobre cada pintura e passou a maior parte do tempo junto para facilitar a discussão. 

Três semanas mais tarde, os alunos responderam a um questionário sobre a sua experiência no museu. Além de se lembrar de informações sobre as pinturas que eles viram, eles foram convidados a responder a perguntas sobre a tolerância para com os outros e empatia. Finalmente, eles foram convidados a escrever um pequeno ensaio sobre uma nova pintura: A Caixa de Bo Bartlet, que não foi exposta no museu. Os alunos que ganharam na loteria, mas não estavam em passeios do grupo eram o grupo controle. Os alunos também tiveram de escrever sobre a ligação entre empatia e tolerância Caixa que funciona. Vários juízes analisaram ensaios. 

Equipe Greene foi surpreendido por acadêmicos que transformaram a informação e quanto os alunos aprenderam, como eles foram capazes de lembrar que a pintura se refere aos preços de apoio durante a Grande Depressão de 1929 e outra pintura foi abolicionistas de referência que boicotaram a compra de açúcar. 

"Esses detalhes históricos não foram incluídas na introdução do curador", explica Verde. Isso significa que, com base no formato discussão incentivou os alunos a fazer perguntas importantes sobre as pinturas. Mas algo sobre a experiência do museu alunos também permitiu recordar informações pintando um mês depois. Isso é notável, considerando que os meninos rapidamente esquecem o que aprenderam para os exames. 

Quando perguntado aos alunos analisar uma pintura não é conhecido "houve um grande aumento na forma como observadores eram estudantes se eles foram para o museu de arte. Eles eram muito melhores em perceber detalhes novo pintar aqueles que não foram. "Os alunos também foram capazes de sentir empatia com as pessoas e os casos referidos de uma forma que o grupo controle não podia. 

"Antes do estudo, muitas pessoas nos disseram que os caras ficaria fora apenas d ELAS janelas.", Disse Greene, "Bem, não, eles não fizeram. Eles ouviram e informações absorvidas. "Em parte, isso é devido ao formato de experiência que não está lecionando. Mas suspeito verde que a razão também está ligada a remover os alunos de seu ambiente escolar habitual e colocá-los em uma cultura. "

"Você pode dar aos alunos uma reprodução de alta qualidade de uma pintura, mas não é o mesmo", diz Greene "é como assistir a um televangelista, em vez de ir à igreja. Ambas as igrejas e museus que investem em arquitetura. O ato de ir coloca as mentes das pessoas em outra experiência receptivo. "

   

As 17 escadarias mais belas do mundo

Porque degraus não foram feitos só para pisar

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Escada Selarón, Rio de Janeiro, Brasil

Um dos pontos turísticos contemporâneos que vem crescendo no Rio de Janeiro é a escadaria da Rua Joaquim Silva, na Lapa. Obra do artista chileno Jorge Selarón, a escada, que ganhou o nome do seu criador, foi enfeitada usando ladrilhos e azulejos de admiradores de todo o mundo.

Ter a arte em degraus não é privilégio brasileiro. No mundo, muitos artistas encontram nessas passagens íngremes o espaço para soltar a imaginação.

Veja abaixo as 17 escadarias mais bonitas do mundo e, se puder, eleja sua favorita:

Teerã, Irã

Wuppertal, Alemanha

Escadaria da Paz, Síria

Seul, Coréia do Sul

Degraus de azulejo da 16ª Avenida, São Fransisco, EUA

Valparaíso, Chile

Valparaíso, Chile

Angers, França

Sicília, Italia

Museu de arte da Filadélfia, EUA

Beirute, Líbano

Beirute, Líbano

Teatro Musical de Seul, Coréia do Sul

Instambul, Turquia

Morlaix, France

Rio de Janeiro, Brasil

Bienal de Arte de SP chega à 21ª edição

Lasar Segall é destaque no clube A Hebraica

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20/08/2014 | POR REDAÇÃO; FOTOS DIVULGAÇÃO

O painel O Circo, de Lasar Segall, será exposto com destaque. O guache sobre papel, de 1933, mede 6,90 x 7,15 m e decorava o baile de carnaval da Sociedade Pró-Arte Moderna. Durante o salão será iniciada a captação de recursos para o restauro da obra

Começa hoje (20/8) em São Paulo, com abertura beneficente no clube A Hebraica, o Salão de Arte. A tradicional feira, organizada por Vera Chaccur Chadad, reúne cerca de 60 expositores – entre antiquários, designers de jóias, galerias de arte e artistas plásticos independentes.

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Em sua 21ª edição, o destaque vai para a mostra Lasar Segall Carnavalesco, dedicada ao pintor expressionista lituano naturalizado brasileiro. Ali, se destacam os painéis de grandes dimensões O Circo eJardim Zoológico, criados pelo artista para decorar os bailes de Carnaval da Sociedade Pró-Arte Moderna (Spam), no início dos anos 1930. Quem visitar a exposição também poderá apreciar 61 desenhos com temas relacionados aos painéis. O evento é o primeiro passo de um projeto de captação de recursos, já aprovado pela Lei Rouanet, e que tem o objetivo de restaurar as duas obras do artista.

Bandeirinhas com mastros, meados da década de 1970,  têmpera sobre tela, 100,9 x 67,7 cm, de Alfredo Volpi, na Proarte Galeria

Este é o segundo ano consecutivo em que o Salão aposta no grafite e na arte urbana. Thiago Mundano, curador da galeria Parede Viva, de São Paulo, mostra trabalhos ao lado de cinco outros artistas grafiteiros: Apolo Torres, Erica Maradona, Leiga, Subtu e William Mophos. Para os mais tradicionais, figuram pelos corredores da feira nomes estrelados como Victor Vasarely, Carlos Cruz-Diez, Julio Le Parc, Dario Perez-Flores, Alfredo Volpi, Iberê Camargo, Aldemir Martins e Claudio Tozzi.

A Graphos Galeria, do Rio de Janeiro, expõe pela primeira vez obras de seus artistas em São Paulo. Entre eles, Rafael Uzai, com a obra Felicidade, produzida para o projeto Deu na Telha, com curadoria de Ricardo Duarte. Em março deste ano, a obra estampou, junto com a de outros artistas, lonas que cobriram os telhados de casas do Morro do Alemão, no Rio. O trabalho podia ser visto por quem passeava de teleférico pelo local.

Entre os expositores são destaque: Galeria de Arte André, Galeria SUR, Papel Assinado, Pinakotheke, Proarte Galeria, Began Antiguidades, Espaço Arte M. Mizrahi, Espaço Bia Dória, Dominique Edouard Baechler e Ed Bagatin, entre outros.

A abertura do Salão acontece a partir das 17 horas para convidados, e tem ingressos no valor de R$ 200, em prol da organização Amigos Einstein da Oncologia e Hematologia, dedicada a prevenir o câncer e doenças do sangue. O salão segue aberto ao público entre os dias 21 e 24 de agosto, com ingressos a R$ 40, à venda no próprio clube.

Salão de Arte 2014 – 21ª  edição
Local: Salão Marc Chagall do clube A Hebraica
Endereço: rua Dr. Alberto Cardoso de Mello Neto, 115, São Paulo, SP
Data: até 24 de agosto
Horário: quinta e sexta das 15h às 22h, sábado das 13h às 21h; domingo das 13h às 20h
Valor do ingresso: R$ 40

Série Carretéis, 1967, de Iberê Camargo, na Galeria Papel Assinado

Encontro no Bar, liquitex sobre tela cortada em madeira, obra de Claudio Tozzi ,medindo 70 x 105 cm, na iGaleria

1968-1998 30 anos, outra obra de Claudio Tozzi de 1998, mede 95 x 145 cm, na iGaleria

Felicidade, de Rafael Uzai, foi estendida sobre uma casa no Morro do Alemão, no Rio de Janeiro. A estampa sobre lona pertence é da Graphos Galeria

Desenho de Aldemir Martins, 1962, nanquim sobre papel, 54 x 89 cm

A luta, grafite do paulistano Subtu, na Galeria Parede Viva

A Brasa nos Lábios, 2000, de Carlos Araujo, mede 30 x 25 cm, na iGaleria

Enfim te encontro Azul, 1987, óleo sobre tela de Gilberto Salvador, 200 x 200 cm, na iGaleria

Constelação, 2006, de Ivald Granato, 140 x 110 cm

Bienal de Veneza olha para o passado

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Exposição investiga cerne da arquitetura

03/08/2014 | POR GUILHERME AMOROZO, DE VENEZA

The Sky Over Nine Columns, instalação do alemão Heinz Mack na ilha de San Giorgio Maggiore

“Sem a varanda dos meus pais, eu não estaria aqui. Eles moravam no quinto andar de um prédio de habitação social. Nascido nos últimos meses da [2ª] Guerra, num inverno frio, embora ensolarado, quando tudo o que podia queimar já tinha sido queimado, fui exposto ao sol em todos os momentos possíveis, para absorver o calor.”

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A reminiscência, inesperadamente pessoal, abre um texto entregue aos visitantes da 14ª Bienal de Arquitetura de Veneza, inaugurada no início de junho. Seu autor é o diretor e curador da mostra, Rem Koolhaas. Desse ponto de partida até o final das mais de uma centena de salas expositivas que se distribuem entre o complexo do Arsenale e os pavilhões dos Giardini da cidade italiana, o Pritzker holandês e titular do escritório OMA embarca num tour de force em que tenta convencer seus espectadores sobre quem são os verdadeiros protagonistas daquilo que entendemos por arquitetura. Uma dica: não são os arquitetos.

O curador Rem Koolhaas fotografado em frente à sua instalação

A resposta está naquela varanda da casa onde ele veio ao mundo. E nos outros 14 itens que o curador define serem a essência “de qualquer edifício, em qualquer época”: o piso, a parede, o teto, o telhado, a porta, a janela, a fachada, a escada, o elevador, a escada rolante, a rampa, o corredor, o banheiro, a lareira. Elementos da Arquitetura, a exposição central desta bienal, dedica uma sala para cada um desses temas, destrinchando a história, o significado e as revoluções provocadas por cada um deles na vida humana na Terra.

A sensação é a de caminhar por dentro das páginas de um livro cujas ilustrações pularam para fora do papel e se materializaram diante do leitor. Fragmentos de paredes de diferentes épocas, reproduções de telhados asiáticos milenares e até uma histórica coleção de janelas abordam com profundidade o assunto de cada capítulo, criando a ideia de que a arquitetura, hoje, consiste, acima de tudo, em combinações e colagens desses diversos elementos. E é a partir deles – coisas reais, palpáveis ecompreensíveis por todos – que devemos discutir o que queremos dessa área daqui para frente.

“Eu quis fazer uma bienal que não falasse do estado atual da arquitetura nem enfatizasse o que os arquitetos estão fazendo agora”, declarou Koolhaas aos jornalistas presentes à abertura do evento. Negar a produção contemporânea e olhar para o passado também foi um pedido feito aos 65 países participantes da mostra em seus pavilhões individuais. Sob o título Absorvendo a Modernidade 1914-2014, cada nação mostrou de que forma atravessou a “modernização forçada” do último século, segundo o holandês.

Infelizmente,muitos dos países responderam ao briefing com exposições historiográficas sobre seus experimentos modernistas nestes cem anos, à maneira de verbetes de enciclopédia. Foi o que fez, por exemplo, o Brasil, ainda que, no nosso caso, fosse difícil inventar algo diferente, uma vez que, pelo menos na arquitetura, o país escolheu ser moderno, algo que não ocorreu em outras áreas e instituições – e que merece, sim, ser valorizado.

Glass Tea House Mondrian, obra do artista japonês Hiroshi Sugimoto na Ilha de San Giorgio Maggiore

No geral, os espaços nacionais serviram para reforçar a tese de Koolhaas, da arquitetura acima dos arquitetos. “Uma das conclusões irônicas é que, a julgar pelos 65 pavilhões, nenhum grande arquiteto teve papel importante no século passado. Não há sequer um que fale do Mies [van der Rohe], do Le Corbusier ou de ninguém mais”, afirma ele. 

O discurso é compreensível. Com as duas exibições e mais uma terceira, chamadaMonditalia, que investiga as particularidades da cultura italiana como um todo, Koolhaas tenta inserir sua atividade num contexto maior, político, econômico e social, tirando a profissão de um certo isolamento em que muitas vezes ela se vê metida.

Embora atinja o objetivo, quem vai a Veneza sai com a impressão de que as questões técnicas, muito mais do que as ideias de qualquer profissional, determinam os rumos daarquitetura. Se parece faltar inspiração, mitologia e poesia à bienal de Koolhaas, é porque, para ele, foi essa busca pelo que é “apenas” poético que levou os arquitetos a perderem relevância no plano geral das coisas. Pode ser.

Menos mal que, para aqueles que ainda se importam com o belo, essa bienal viu um bom número de instalações e exposições de arte paralelas espalhadas pela cidade. Destaque para
as colunas douradas de Heinz Mack e para a casa de chá envidraçada de Hiroshi Sugimoto, ambas na Ilha de San Giorgio Maggiore, bancadas pela Fundação Giorgio Cini. E houve ainda Veneza em si, esse lugar que insiste em lembrar a todos que um pouco de estética não faz mal a ninguém. Até 23 de novembro; www.labiennale.org.

* Matéria publicada em Casa Vogue #347 (assinantes têm acesso à edição digital da revista)

Parte da famosa Coleção Brooking, de detalhes arquitetônicos, ilustra a sala dedicada à janela, uma das mais atraentes da mostra Elementos da Arquitetura, peça central desta Bienal de Veneza

Nos Giardini, réplica em escala real da Maison Dom-ino (1914), um desenho de Le Corbusier que serviu de base para todo o conceito da arquitetura modernista

Uma sala do pavilhão do Chile reproduz um apartamento de habitação social erguido nos anos 1970 com blocos de concreto pré-fabricados

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Luminaire, o portal da mostra Monditalia, no Arsenale, concebido por Koolhaas a partir de 15 kg de cristais Swarovski

Artista cria pinturas 3D realistas

O artista cingapurense Keng Lye cria obras hiper-realistas impressionantes com peixes e outras criaturas aquáticas em diversos recipientes.

O método utilizado por Lye consiste em derramar camadas de resina sintética e pintar sobre elas com tintas coloridas. A partir disso, ele produz figuras 3D realistas, que aparentam ser uma tigela com um animal dentro. A ilusão tridimensional é intensificada ainda pelos detalhes salientes dos desenhos.

Arte fascinante de Keng Lye recebeu muita atenção da mídia recentemente, depois que fotos de seus trabalhos se tornaram virais, e ele passou a receber várias encomendas de peças de sua série "Alive Without Breath". O artista disse que o problema com este tipo de arte é que ela exige muito tempo para ser concluída e que, portanto, não pode ser muito barata.

Expo em Paris procura explorar todos os usos da tatuagem ao longo dos tempos.

Arte milenar, a tatuagem ganha mostra em Paris no Museu Quai Branly.

 Com 300 obras, exposição em cartaz na capital francesa até 2015 traça panorama sobre a prática

POR FERNANDO EICHEMBERg /compartilhado: http://oglobo.globo.com

Paris - De Ötzi, a múmia de 5.300 anos a.C., à atriz Angelina Jolie, a tatuagem impôs sua presença em variadas formas e por diferentes razões. Entre a prática ancestral — de funções terapêuticas, sagradas ou religiosas — e o consumo e a arte contemporâneos, a tatuagem sobreviveu aos milênios e aos costumes, da marca identitária à marginalização, subversiva ou comercial. Em Paris, a tatuagem moderna encontrou também sua consagração no museu. “Tatuadores e tatuados”, exposição em cartaz no Museu do Quai Branly até outubro de 2015, procura explorar por meio de 300 obras os usos da tatuagem ao longo do tempo, desde o figurino egípcio antes de Cristo. Mas se pretende inédita ao abordar as variantes estéticas, artísticas e multiculturais mais recentes da tatuagem.

A dupla francesa Anne & Julien, fundadora da revista “Hey! Modern Art & Pop Culture” e curadora da exposição, defende a tatuagem como uma arte em sua totalidade.

— Essa exposição é uma première mundial, porque eu e Julien quisemos dar um foco particular e exclusivo sobre a arte moderna e contemporânea. Nesta parte, situamos desde o começo do século XIX até os dias de hoje, algo que ainda não havia sido feito. É um período menos observado e mais nebuloso da tatuagem no mundo em relação a outras épocas bem pesquisadas do ponto de vista etnológico e antropológico — diz Anne, que critica a falta de curiosidade acadêmica pela tatuagem contemporânea.

A mostra apresenta obras, objetos e filmes considerando arcos históricos, geográficos e culturais, representados por América do Norte, Europa, Ásia e Oceania. Há a tatuagem ultrassofisticada dos maoris, da Nova Zelândia, e dos nativos das ilhas Marquesas, na Polinésia Francesa, mas também de marinheiros e de membros do crime organizado. Interditada pela Bíblia e malquista pelo governo da China, a prática também teve adeptos no poder como os monarcas britânicos Eduardo VII e George V ou os líderes Winston Churchill e Josef Stalin. Para a exposição, 13 réplicas de partes do corpo foram trabalhadas por tatuadores renomados, como o francês Tin-tin, o suíço Filip Leu, o japonês Horiyoshi III, o americano Jack Rudy, o inglês Xed LeHead e o polinésio Chimé.

Segundo uma pesquisa de opinião do instituto Ifop, um em cada dez franceses é tatuado, sendo 20% entre indivíduos de 25 a 34 anos. Nos Estados Unidos, um quarto da população ostenta alguma tatuagem, segundo sondagem do Instituto Harris, num aumento verificado principalmente a partir dos anos 1990, fenômeno impulsionado pela emergência de novas tecnologias. Para Anne & Julien, por muito tempo tatuadores e tatuados ocidentais não tinham a preocupação com o “belo”, mas consideravam a prática um ato bruto, relacionado à ousadia. A partir do fim do século XIX, assinalam, alguns tatuadores se qualificaram como tattoo artists para definir a dimensão de seu trabalho. É quando a tatuagem deixa o domínio exclusivamente artesanal para “questionar o tema e sua interpretação”.

Contra a “industrialização” e a “hipermidiatização” da tatuagem nos dias de hoje, em que a noção de arte se dilui na reprodução de modelos, Anne defende a ideia de “arte popular”. A história da tatuagem será transmitida pelos tatuadores e não pelos tatuados, ressalta.

— O fato de o material ser cada vez mais barato e acessível, inclusive via internet, e de haver cada vez mais clientes atraiu toda uma categoria de pessoas que improvisam, e se perde de vista a essência da tatuagem. É paradoxal, pois houve uma abertura, mas não se soube aproveitá-la, vieram pessoas sem vocação. Mas não estou preocupada, saberemos resistir. Não é a primeira vez que isso ocorre, foi a mesma coisa quando apareceu o aparelho elétrico de tatuagem. Temos todas as condições de continuar evoluindo de forma serena de um ponto de vista artístico — sustenta.

“ESTADO DE ESPÍRITO”

O tatuador Tin-tin definiu o processo como o “princípio dos vasos comunicantes”: a tatuagem se tornou reconhecida porque era subversiva, e agora que é reconhecida se tornou menos subversiva. Ötzi, a múmia do gelo, tinha 57 tatuagens, mas, em 2014, apesar da proclamada abertura das últimas décadas, Anne diz que “o preconceito ainda é muito forte”. Na sua opinião, ter tatuagem ainda pode influir negativamente para se obter um emprego, e a própria expansão da prática provoca confusões em potenciais tatuados:

— Há dois dias, um amigo, acostumado com tatuagens, mas que nunca havia feito uma, decidiu passar ao ato e se fez tatuar metade do braço. Mas algo ocorreu: ele não consegue mais olhar para o seu braço, o mantém todo o tempo coberto. A tatuagem transforma o corpo, muda a maneira como você se vê e também o olhar dos outros. Vivemos uma época particular, com toda a visibilidade, a midiatização, celebridades e esportistas tatuados, mas o impacto de uma grande tatuagem sempre é forte.

Anne & Julien levaram dois anos para elaborar o projeto de sua exposição para o Quai Branly, com o objetivo de render uma homenagem aos pioneiros e aos “heróis esquecidos” da tatuagem, mas também de saudar um “estado de espírito” que perdura apesar de sua progressiva difusão. Os dois curadores ficaram satisfeitos com o resultado obtido.

— O norte-americano Ed Hardy, personagem incontornável da tatuagem contemporânea, veio a Paris para ver o que fizemos e disse que esperava há 40 anos por uma exposição como essa. Achou magnífico. Ele foi um dos que mudaram a imagem da tatuagem a partir dos anos 1960-70, e começou a surgir uma reflexão sobre a ligação da tatuagem moderna e contemporânea com a evolução da história da arte — resume Anne.

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