domingo, 21 de maio de 2017

Novo record, obra de Basquiat é vendida por mais de 110 milhões de dólares.






A obra “Untitled” do norte-americano Jean-Michel Basquiat reflete um crânio negro sobre 
um fundo azul, com as dimensões de 1,83 x 1,73 metros
GETTY

“Untitled” [“Sem Título”], do norte-americano Jean-Michel Basquiat, 

foi comprada pelo empresário e colecionador japonês Yusaku Maezaw.


Um quadro do norte-americano Jean-Michel Basquiat foi 
vendido esta quinta-feira pelo valor recorde de 110 milhões 
de dólares, numa noite dedicada à arte contemporânea realizada
 pela leiloeira Sotheby's.

"Hoje à noite, Jean-Michel Basquiat entrou no panteão de
 artistas cujas obras comandaram preços acima dos 100 milhões
 de euros, incluindo Picasso, Giacometti, Bacon e Warhol" 
disse o responsável pelo Departamento de Arte Contemporânea
 da Sotheby´s em Nova Iorque, Gregoire Billault.
A peça foi comprada pelo empresário e colecionador japonês 
Yusaku Maezawa após ter sido disputada durante 10 minutos
 pelos interessados, numa disputa que estava a ser assistida por m
ilhares de pessoas na rede social Instagram.
"Quando vi a pintura, fui atingido pelo entusiasmo e gratidão
 do meu amor pela arte", confessou Maezawa, que tenciona
 exibir o quadro no seu próprio museu, no Japão, depois de
 emprestá-lo a instituições e exposições de todo o mundo.
O colecionador japonês acrescentou que espera que a peça 
"traga tanta alegria para os outros" quanto para ele.
A obra "Untitled" reflete um crânio negro sobre um fundo azul,
 com as dimensões de 1,83 x 1,73 metros, e era praticamente 
desconhecida antes de ter sido revelada pela leiloeira Sotheby's.
A Sotheby's afirmou que o quadro permaneceu numa coleção
privada desde que foi comprado em leilão no ano de 1984, 
por menos de 19 mil euros.
Em maio do ano passado, um quadro da autoria de Basquiat 
foi vendido pela empresa Christie's, por 51 milhões de euros, 
e comprado pelo colecionador Maezawa.
Jean-Michel Basquiat (Nova Iorque22 de dezembro de 1960 - Nova Iorque12 de agosto de 1988) foi um artista americano.
Ganhou popularidade primeiro como um grafiteiro na cidade onde nasceu e então como neo-expressionista. As pinturas de Basquiat ainda são influência para vários artistas e costumam atingir preços altos em leilões de arte.

Resultado de imagem para Jean-Michel Basquiat

Carreira

Basquiat tinha ascendência porto-riquenha por parte de mãe e haitiana por parte de pai. Desde cedo mostrou uma aptidão incomum para a arte e foi influenciado pela mãe, Matilde, a desenhar, pintar e a participar de atividades relacionadas ao mundo artístico. Em 1977, aos 17 anos, Basquiat e um amigo, Al Diaz, começaram a fazer grafite em prédios abandonados em Manhattan. A assinatura era sempre a mesma: "SAMO" ou "SAMO shit" ("same old shit", ou, traduzindo, "sempre a mesma merda"). Isso gerou curiosidade nas pessoas, principalmente pelo conteúdo das mensagens grafitadas. Em dezembro de 1978, o veículo Village Voice publicou um artigo sobre as escrituras. O projeto "SAMO" acabou com o epitáfio "SAMO IS DEAD" (SAMO está morto) escrito nas paredes de construções do SoHo nova-iorquino.
Em 1978, Basquiat abandonou a escola e saiu de casa, apenas um ano antes de se formar. Mudou-se para a cidade e passou a viver com amigos, sobrevivendo através da venda de camisetas e postais na rua. Um ano depois, em 1979, contudo, Basquiat ganhou um status de celebridade dentro da cena de arte de East Village em Manhattan por suas aparições regulares em um programa televisivo. No fim da década de 1970, Basquiat formou uma banda chamada Gray, com o então desconhecido músico e ator Vincent Gallo. Com o conjunto, tocaram em clubes como Max's Kansas City, CBGB, Hurrahs e o Mudd Club. Basquiat e Gallo viriam a trabalhar em um filme chamado Downtown 81 (também conhecido por "New York Beat Movie"). A trilha sonora deste tinha algumas gravações raras da Gray. A carreira cinematográfica de Basquiat também incluiu uma aparição no vídeo "Rapture" da banda Blondie.
Basquiat começou a ser mais amplamente reconhecido em junho de 1980 quando participou do The Times Square Show, uma exposição de vários artistas patrocinada por uma instituição de nome "Colab". Em 1981, o poeta, crítico de arte e "provocador cultural" Rene Ricard publicou um artigo em que comentava sobre o artista. Isso ajudou a catapultar de vez a carreira de Basquiat internacionalmente. Nos anos consecutivos, Basquiat continuou a exibir sua obra em Nova York ao lado de artistas como Keith Haring e Barbara Kruger. Também realizou exposições internacionais com a ajuda de galeristas famosos.
Já em 1982, Basquiat era visto freqüentemente na companhia de Julian SchnabelDavid Salle e outros curadores, colecionadores e especialistas em arte que seriam conhecidos depois como os "neo-expressionistas". Ele começou a namorar, também, uma cantora desconhecida na época, Madonna. Neste mesmo ano, conheceu Andy Warhol, com quem colaborou ostensivamente e cultivou amizade.
Dois anos depois, em 1984, muitos de seus amigos estavam preocupados com seu uso excessivo de drogas e seu comportamento paranóico. Basquiat, então, já estava viciado em heroína. No dia 10 de fevereiro de 1985, Basquiat foi capa da revista do The New York Times, em uma reportagem dedicada inteiramente a ele. Com o sucesso, foram realizadas diversas exposições internacionais em todas as maiores capitais europeias. Basquiat morreu de um coquetel de drogas (uma combinação de cocaína e heroína conhecida popularmente como "speedball") em seu estúdio, em 1988. Após sua morte, um filme que levava seu nome foi lançado contando sua biografia, dirigido por Julian Schnabel e com o ator Jeffrey Wright no papel de Basquiat.

quinta-feira, 18 de maio de 2017

Grupo 725 que está expondo em Ponta Grossa tem Projeto aprovado em Curitiba através da lei de incentivo da Fundação Cultural de Curitiba.

O Grupo 725 de Artistas Mulheres que está expondo suas obras na Exposição "FÉ" no hall da Câmara Municipal de Ponta Grossa teve o projeto "Semeando Novos Olhares aprovado pela lei de incentivo à Cultura em Curitiba, mais informações através de matéria divulgada no site da Jornalista e Artista Katia Vello:


“SEMEANDO NOVOS OLHARES"

 DO GRUPO ARTE 725 

PROPOE ROMPER PARADGIMAS

Obra de Luiza Uady. Crédito: Divulgação

O projeto “Semeando Novos Olhares” foi aprovado pela Fundação Cultural de Curitiba por meio da Lei de Incentivo à Cultura. O principal objetivo é provocar um novo olhar sobre a produção artística e artistas locais, aproximando-os dos alunos, pais, professores e funcionários da Escola Municipal Prefeito Omar Sabbag.
O Grupo ARTE 725 (nome inspirado no endereço do ateliê que os artistas frequentam – Rua Lamenha Lins, 725) é formado por 16 artistas que possuem uma trajetória artística de sucesso, prestígio e reconhecimento. Muitos deles já receberam diversos prêmios em salões de Arte conceituados. Outro aspecto relevante do grupo é a realização de diversas viagens (nacionais e internacionais) onde realizam exposições e/ou worshops em busca de novos conceitos no cenário das Artes Visuais e frequentam com assiduidade bienais de Arte. Desta convivência, nasceu a ideia revolucionária de quebrar a reconhecida tríade ateliê/galeria/museu e aproximar a Arte e os artistas de um público que geralmente não frequenta estes espaços culturais, ou seja, alunos de Escolas Públicas.
O projeto “Semeando Novos Olhares” onde cada artista participante elabora trabalhos de acordo com sua linguagem artística e poética. As obras são apresentadas em formato inédito, estimulando e provocando ainda mais o olhar. Ao final do ciclo de exposições , os artistas realizarão uma palestra para alunos, professores e funcionários. Além das doações de obras e palestras, serão entregues à Escola convites colecionáveis e catálogos.
Para finalizar o projeto com chave de ouro, os professores realizarão workshop no ateliê de Edilson Viriato com o próprio artista, proprietário e criador do ateliê. Outro aspecto muito relevante do Grupo ARTE 725 é o de cunho social, pois o projeto indubitavelmente possibilitará a democratização da Arte e acessibilidade à cultura.
Luiza Uady
2 ªExposição de 15/05/2017 a 22/05/2017
Graff – Art
SOBRE A EXPOSIÇÃO – Os trabalhos de Luiza Uady são registros da natureza, vestígios de pigmentos, marcas pictóricas da paisagem. Dentro da espacialidade encontramos o mundo visível, real ou meramente fantástico.
A matéria e o espírito se completam utilizando-se de formas orgânicas ou manchas, numa sugestão ao devaneio.
Nesta semana a artista expositora é Luiza Uady.
SOBRE A ARTISTA – Luiza Uady, curitibana, mora em Pinhais/PR.
Graduada em Administração pela UFPR. A artista faz parte do CACEV – Centro de Arte Contemporânea Edilson Viriato e é integrante do GRUPO DE ARTE 725, já participou de inúmeras exposições.
Serviço:
Escola Municipal Prefeito Omar Sabbag
Rua Pedro Bocchino, Cajuru, Curitiba, PR
Telefone: (41) 3361-2336
Ateliê de Arte Edilson Viriato
Rua Alamenha Lins, 725, Rebouças, Curitiba, PR
Entrada: Franca
Público: Livre

Segunda edição do Buenos Aires Bienal

De hoje até 7 de junho, 2017, realizou a segunda edição do Buenos Aires Bienal Desempenho da Argentina, 
BP.17 , um importante evento que reúne mais de 30 projetos de artistas internacionais, incluindo performances
 ao vivo, ações, exposições, seminários e workshops, concebidos pelos curadores de instituições parceiras e equipe curatorial e 
gestão da bienal.
Durante 22 dias, diferentes áreas de Buenos Aires vai sediar performances de artistas como Liliana Porter,
 William Kentridge, Santiago Sierra, Grupo Etcetera e Carlos Huffmann, bem como um programa acadêmico
 que inclui acções do Coco Fusco, José Alejandro Restrepo e Ana Gallardo entre outros, dissolvendo assim
 as fronteiras entre pesquisa teórica, prática artística e ensino.
De acordo BP.17 organizadores, a "performance art" - "arte ação" ou "arte viva" - este evento promove "escapa 
definições duras ou de simplificação. Para aproximar a natureza essencial pode ser pensado como uma expressão
 interdisciplinar, -e orgânica, portanto, permanente mutação-liminar, expandido, excêntrico, em que o corpo do
 artista apresenta na sua potencial poético revolucionária".
William Kentridge, recusar a horas.  Ver o desempenho em 2011. Foto: John Hodgkiss
Alguns projetos artísticos
Uma das obras mais marcantes desta edição está prevista para o dia de encerramento: William Kentridge , 
artista Sul Africano internacionalmente aclamado por seus desenhos, colagens, gravuras, filmes de animação
 e teatro e ópera produções, apresentará Refuse the Hour Dia 7 de junho no Teatro Coliseo. Esta performance -
 instalação de vídeo em cada cinco cenário channels- é uma obra multimídia que entrelaça uma incrível variedade
 de linguagens visuais e sonoros, justapondo dança, música ao vivo, teatro, cinema e uma design scene dinâmico. Criado em conjunto com o físico Peter Galison, este trabalho é uma meditação sobre diferentes concepções históricas de tempo e 
legados complexos do colonialismo e da indústria. O resultado é uma viagem até os confins da ciência, teatro e 
arte. Recuse-se a Hora foi originalmente encomendado para Documenta de 2012.
grupo Etcetera está participando com o fim do inferno , uma obra cuja história começa em 1998, quando o artista argentino León Ferrari enviou uma petição ao Papa John Paul II, em nome da CIHABAPAI (Clube ímpios, hereges, apóstatas, blasfemos, ateus, pagãos, agnósticos e infiéis, fundado por ele) chamando para a abolição do inferno. Em dezembro de 2001, Ferrari escreveu uma segunda carta, sem sucesso. Em 2013, pouco antes de sua morte Ferrari, seu amigo-inimigo Mario Bergoglio, arcebispo de Buenos Aires, foi nomeado papa. Em janeiro 2014 uma suposta mensagem do Papa Francisco sobre o inferno espalhou: "(...) A igreja já não acreditam em um inferno literal, onde as pessoas sofrem. Esta doutrina é incompatível com o amor infinito de Deus. Deus não é um juiz, mas um amigo (...) veja o inferno como um artifício literário. O inferno é apenas uma metáfora para a alma isolado". A veracidade destas afirmações ainda está em dúvida, mas provocou um debate feroz entre aqueles que interpretaram estas palavras como um fim e que argumentou que suas declarações eram tormento metafórica e eterno não se pode duvidar. No final do Inferno é uma campanha para pedir ao Papa Francisco esclarecer este ponto crucial, enquanto a sua abolição definitiva é solicitada. Ele também visa a disseminar esta petição e recolher as assinaturas necessárias para apoiar o pedido de uma audiência para fazer uma apresentação formal ao Sumo Pontífice durante 2017.
O artista espanhol Santiago Sierra apresenta os seus novos desempenho nomes dos mortos no conflito sírio desde 15 de Março de 2011 até 31 de dezembro de 2016 . O projeto envolve a leitura ao vivo dos nomes daqueles que foram mortos na Síria desde 15 de março de 2011. O desempenho ocorre entre 21 e 30 de Maio de 2017. A leitura é feita continuamente sem interrupção, até que tenham sido lidos todos os nomes dos quatro locais que co-produzir o projeto: o CCA Tel Aviv, o Vienna Festwochen, a Galeria Lisson, em Londres e BP.17. Pesquisa e compilação de nomes das vítimas está a cargo do Grupo de Pesquisa sobre o conflito na Síria (GICS), que faz parte do Departamento de Sociologia do Oriente Médio na Faculdade de Ciências Sociais da Universidade de Buenos Aires (UBA ).
Yann Marussich apresenta sua ação Bleu Remix , onde um performer sentado em uma cadeira dentro de uma gaiola de vidro transparente começa, lentamente, para expulsar o líquido azul olhos, nariz e boca até que todo o seu corpo está coberto de azul. Por azul? De acordo com o artista, esta cor está associada com a sabedoria, serenidade e sonhos; Ele é onipresente entre nós, mas não existe dentro de nossos corpos. "Blue refere-se à vida, viagens e descobertas em sentido literal e figurado , " ele diz.
Enquanto isso, Emilio García Wehbi e Ricardo Ibarlucía com assistência artística Julieta Potenze mostrar Antihomenaje Dadá (101 anos Cabaret Voltaire), um projeto para reapropriar o legado explosivo do dadaísmo contra sua redução a um único capítulo na história do vanguardas do século XX.
Geumhyung Jeong, CPR Practice, 2013. Foto: Sang Hoon
Parte do programa acadêmico
Dentro do programa acadêmico enfatiza o seminário BP.17 desempenho e política: intervenções na esfera pública , por Coco Fusco . Focado na intersecção entre a arte da performance e da política, seu objetivo é para identificar e avaliar a variedade de maneiras em que a arte da performance convergem e interpretar discursos, sistemas políticos e projetos. Fusco apresenta aqui uma ampla gama de exemplos americanos, europeus e latino-americanos.
Além disso, em idade escolar. conferência performativa , o artista Argentina Ana Gallardo propõe uma reflexão sobre a violência na velhice de demarcar o território ocupado pelo velho hoje 's sociedade. A partir desta perspectiva, ele projeta uma escola onde você aprende a envelhecer.
Outro destaque é a participação de Orlan , que irá realizar conversações com Argentina artista Nicola Costantino sobre o desempenho como um gesto político.
Programação e a lista completa de artistas podem ser encontrados aqui .
Tide, o artista cubano Carlos Martiel.  Uma das obras a serem analisados ​​no seminário que dita Coco Fusco.  Foto cedida BP.17
parcerias
Eles acompanham e fazem parte de BP.17 reconhecidas instituições culturais públicas e privadas, tais como arteBA, Fortabat coleção, Fundação Proa, Malba, MNBA (Museu Nacional de Belas Artes de Buenos Aires), Parque de memória, UBA (Faculdade de Letras) Universidade nacional de Artes, Departamento de Arte da Universidade Torcuato di Tella, Ruth Benzacar Galeria, Galeria de Barro, Centro Cultural Recoleta, Bienal de Arte Jovem, o Cultural San Martin, MEDIF? Fundação Centro Cultural de Paco Urondo, Chela, Secretariado cultura da Câmara Municipal de Vicente López e o Teatro de Bicentenário de San Juan, bem como organizações internacionais: Goethe - Institut Buenos Aires, Embaixada da França, Embaixada da Colômbia, Pro Helvetia, Centro Cultural da Espanha, Centro Cultural coreano, Artes dinamarqueses Fundação e do Conselho Canadá das Artes. Além disso, para esta edição, durante a feira arteBA, BP.17 vai ArtexArte com uma caixa de desempenho com músicos ao vivo e uma selecção de vídeos de performances.

57ª BIENAL DE VENEZA - Quem foi da América Latina.

THE TWILIGHT (Além da imaginação) do curador. 
NA BIENAL 57 DE VENEZA
Existe uma produção artística absoluta, que não está relacionado com a pesquisa curatorial ou influenciada pela função de validação dos diferentes atores do circuito artístico hoje?
Aposto o curador francês Christine Macel para a 57ª Bienal de Veneza tem sido uma tentativa radical pouco a questionar a autoridade curatorial em favor da criação de um gesto livre e visionário.
Live Live Art , como intitulou seu trabalho curatorial para a amostra central desta bienal, tem a intenção de abandonar o pré-formado por curadores, com o seu irresistível e não ambições para salvar o mundo, para dar espaço para a imaginação e narrativaweltanschauung de artistas.
No entanto, essa idéia quase ingênua da arte, o que pressupõe recuperar a figura romântica do criador como o escolhido em contato direto com a verdade, não basear-se nestas coordenadas históricas e sociais.
Com a crise do artefato no século XX o objeto definitivamente perdeu sua aura, sua função de auto-sustentáveis ​​na imagem, para tornar-se um sinal, o índice de um discurso em que o objeto é apenas um traço às vezes singularidade secundário.
Há uma lacuna que dificilmente pode ser reposto a partir da perspectiva do objeto como um único transcendental e práticas artísticas como uma integração dos diferentes processos de produção e pós-produção, o que acaba por determinar o que é ou não é arte.
Esta divisão ou incomunicabilidad o objecto na sua singularidade que caracterizou a discussão principal de arte contemporânea e os seus limites, integrando o trabalho do curador como uma parte essencial do processo artístico para estabelecer coordenadas de significados, é um ponto de viragem e de ruptura.
Se as práticas curatoriais parecem políticas cada vez mais institucional, complacentes e ineficaz pior que fosse o Fórum Social Mundial, onde a superficialidade de uma janela limitada abusado temporariamente questões importantes como a crise ambiental e emergências sociais, artistas estão procurando novas formas de auto-sustentabilidade de sua produção.
Voltar a ficção narrativa e produção artística é a resposta para o declínio da curadoria.
Damien Hirst, Demon com Bowl (Exposição Alargamento).  Palazzo Grassi.  Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst e Ciência Ltd. Todos os direitos reservados DACSSIAE 2017
Leão de Ouro para o artista alemão e artista Anne Ihmof reforça essa direção e representa a centralidade das narrativas ficcionais, literárias ou cinematográficas sobre a singularidade da imagem ou objeto. Ela intitulado seu desempenho Faust , que é o mais importante arquétipo literário alemão, e cria uma narrativa cinematográfica e pós-punk performativa.
Esta tendência para construir roteiros artísticos fechada e anti curatorial é a aposta que também fez Damien Hirst em sua exposição Tesouros da Destruição do Inacreditável , no Palazzo Grassi , onde integrou a história como uma parte fundamental da obra de arte como significando kitch somente os objetos outra maneira.
Se algo se destaca neste Bienal é precisamente a presença de muitas obras que operam sob o conceito de cinema expandido ou pós-cinema, onde a narrativa, embora conceito e imagens fragmentadas, são suportados de forma independente. Isto é evidente tanto na curadoria central como em muitos pavilhões nacionais.
Símbolo da pesquisa pioneira no domínio do audiovisual e abre silenciosamente, quase escondida, a exposição no Arsenale é o trabalho de Juan Downey O círculo de incêndios , um pedaço visionário que já usou uma linguagem conscientemente audiovisual como uma história que I pode fragmentar e presente na forma de suporte - a instalação por si só.
Neste sentido é também a bandeira da Austrália, com o trabalho de meu horizonte fotógrafo e cineasta Tracey Moffat sobre a emigração como uma maneira existencial de vida; a bandeira da Grécia, Laboratório de dilemas , artista George Drivas , onde o conceito de cinema expandido ter uma consistência installative, imersão do espectador no mesmo filme; pavilhão de Espanha, ¿Sinal Up Junte-se a nós,! Artista e fotógrafo Jordi Colomer , que criou um filme de viajar e põe em causa o próprio conceito de território e nacionalidade; e, finalmente, as bandeiras do Egito e África do Sul, que trabalhou com o imaginário hollywoodiano , usando pós imagens apocalípticas em HD, e no trabalho The Mountain , o egípcio Moataz Mohamed Nasr Eldin , ou artistas convidando tais como Julianne Moore e Alec Baldwin para sensibilizar para a questão da emigração sírio, no caso do trabalho Sul Africano Candice Breitz e Mohau Modisakeng .
Juan Downey, o círculo de incêndios, 1979, instalação de vídeo em dois canais, cor, o som, oito monitores, 10 min.  vista da instalação na 57ª Bienal de Veneza, "Viva Arte Viva".  Foto: Andrea Avezzu.  Cortesia: La Biennale di Venezia
George Drivas, Laboratório de dilemas, instalação de vídeo.  Foto cortesia: Bandeira de Greece

"A arte contemporânea, em todos os níveis e formas, está permeada pelo que pode ser chamado um fato-cinema é uma evidência abrangente, resaltante," moda", irritativo e ainda intrigante [...] Isso não faz é algo novo, mas remonta pelo menos ao início dos anos 90 o mundo da arte contemporânea é cada vez mais marcada pela presença insistente do que podemos chamar um que é tanto efeito profundo e superficial time-cinema, muitas vezes monumental ou fetichista, possivelmente poético, às vezes inteligente, se não for sensível. Efeito de cinema em qualquer caso extremamente diversificada e multiforme, que opera em todos os níveis: a nível institucional, na área artística e teórica ou crítica ".

Philippe Dubois, Conferência de pós-cinema, 2011, Universidade de Buenos Aires.


Esta centralidade da linguagem cinematográfica que integra a história em sua produção, batendo ou colocar em crise o trabalho curatorial, tem neste contraponto bienal, em vez disso, olhar para o artefato e sua contextualização uma posição política que busca para saber sobre as raízes antropológica na arte. Isto é evidente nos inúmeros tecidos e artesanato presentes no Arsenale, tais como a instalação majestoso de Ernesto Neto , uma tenda onde um antigo ritual de oração para a terra tem lugar, ou a bandeira chilena com Werken , de Bernardo Oyarzún , que apresenta os cenográficas máscaras do Chile Mapuche como testemunho de uma cultura ainda está lutando. Caso contrário, mas sempre com uma ênfase em signos culturais e musicais que lembram do pré-hispânica, alfabetos o pavilhão mexicano com o artista Carlos Amorales .
Esta 57ª Bienal de Veneza parecia uma viragem bienal, exaustão e fechando tudo sobre modas artísticas e curatoriais que eram dependentes uns dos outros e agora parecem conseguir mais diálogo entre eles. O saldo do século XXI será o de encontrar um meio termo entre a estética e conceitual, teórica e narrativa, o objeto ea ideia, deixando posturas, falsos ativismos, que não corresponde ou não sabem como usar as plataformas e capitalizados como dispositivos bienais. A este respeito, a missão curatorial tem que repensar o seu papel e as prioridades, encontrar um trabalho mais orgânica com o contexto e os artistas.
Ernesto Neto, Um lugar sagrado, 2017. Vista da instalação na 57ª Bienal de Veneza de 2017. Cortesia La Biennale di Venezia.  Foto Andrea Avezzu.
Bernardo Oyarzún, Werken.  Chile pavilhão na 57ª Bienal de Veneza de 2017. Foto: Italo Rondinella.  Cortesia: La Biennale di Venezia

mariagrazia Muscatello

Crítico de arte, Bacharel em Filosofia pela Universidade de Parma (Itália), Mestre em Comunicação e Crítica de Arte (Girona-Espanha). Ele tem sido imprensa responsável para industrial empresa de design Kartell em Milão e assistente editorial para Gustavo Gili, Barcelona. Ele publicou catálogos para várias revistas nacionais e internacionais, tais como a "Art Flash", "Artribune" e "Etapes", entre outros



Sábado 13 de maio Aberto oficialmente para os pavilhões nacionais públicas no 57º Bienal de Veneza , um dos mais importantes eventos de arte internacionais. Nesta edição Argentina, Brasil, Chile, Cuba, Espanha, Guatemala, México, Peru, Uruguai, Venezuela e, para a primeira vez, a Bolívia participar com seu próprio pavilhão. Outros, no entanto, já se foram. Após 43 anos de participação na Bienal, o Instituto Americano Italo-Latino (IILA) vai não estar presente com o seu bem - conhecido pavilhão da América Latina .
Com performances por país, é realizada no Arsenale e do Giardini da amostra principal Vivo Arte Viva , com curadoria de Christine Macel , e cujo eixo central o papel ea responsabilidade do artista nos debates contemporâneos.
Neste post vamos destacar alguns dos pavilhões América Latina estarão presentes no "as bienais bienais" uma participação geopolítica, para alguns, já perdeu sentido em nossos tempos globalizados. Como o curador do pavilhão mexicano, diz Pablo León de la Barra ", do mundo da arte, que tem lutado nas últimas duas décadas para criar redes internacionais de colaboração horizontal, para corrigir assimetrias e miopías que foram perpetuadas pela centros de poder ocidentais, insistem que a ideia de representar uma nação é um tanto anacrônica ".

MÉXICO


Visão da vida nas dobras de Carlos Amorales.  México pavilhão na 57ª Bienal de Veneza de 2017. Cortesia: Bandeira mexicana
Carlos Amorales - Vida nas dobras
Curador: Pablo León de la Barra
Curadoria: Gabriela Gil Verenzuela
A proposta de Carlos Amorales para a 57ª Bienal de Veneza empresta seu nome a partir do romance do escritor, calígrafo, poeta e pintor belga-francés Henri Michaux, publicado em 1949, que é várias formas de lidar com o sofrimento do narrador seu ambiente.
Na exposição espaço-acima de uma série de tabelas que se referem a folhas de papel são poemas ilegíveis escritas com um novo alfabeto tridimensional, cortes de papel abstratas inspiradas. Ao contrário de projetos anteriores com código de alfabetos, aqui Amoral faz uma transição do tipográfica à fonética. As letras são realmente utilizados ocarinas -flautas cerâmica nas Américas antes da colonização da União Europeia, com um som particular para cada formulário. Sons, realizados por um grupo de músicos de uma partitura gráfica também em exposição, funcionam como poesia sonora, criando o fundo musical de um novo filme semianimada e também um campo de som que irá acionar o pavilhão durante suas performances ao vivo.
No filme, um titereiro controla os personagens da história, enquanto os músicos aparecem na parte inferior, criando diálogos e sons por ocarinas. O modelo que foi usado no filme também está incluído no showroom, e nela vemos o uso das mesmas formas que compõem o alfabeto abstrato para construir desenhos de personagens e conjunto. A história semianimada é sobre o linchamento de uma família migrante que chega a uma cidade hostil, obscurecendo a nossa compreensão moral sobre a aplicação da justiça.
Através de vida nas dobras , Amorales explora o lado escuro da humanidade, em uma tentativa de compreender a complexidade dos seres humanos e da coexistência do bem e do mal, não como dogmas morais, mas como condições de intensidade vital. O conflito dá lugar a que o artista chamou Cubismo Ideológico : posições políticas divergentes coexistir em uma única entidade, um caleidoscópio de ideologias que contém dentro de todas as boas e más, e todas as posições políticas de esquerda e direita, mas também contém todas as possibilidades poéticas e de vida que permitem um vislumbre do mundo de forma diferente.
Digite vida nas dobras também é inserir uma obra de arte total, a Merzbau onde as diferentes disciplinas envolvidos na prática artística de Carlos Amorales, artes visuais, design gráfico, animação, cinema, música, literatura, poesia e performance, se cruzam uns com os outros, e para entrar em atrito e criar tensões, modificar seus parâmetros e activado sismicamente, vibração e criar anarquia que se espera venha a surgir uma nova compreensão da vida . Em uma bienal com o nome Vivo Arte Viva , que celebra a capacidade da arte para abraçar a vida e enfrentar a realidade em um mundo cheio de conflitos, a vida nas dobras inventar vocabulários novos, linguagens, imagens e sons para a vida humana você pode se reinventar e continuar a existir no mundo.
* Trecho do texto curatorial Pablo León de la Barra Ressonâncias sísmicos anárquicas. Múltiplas dobras da obra de Carlos Amorales de 2017

ESPANHA


Jordi Colomer, Join!  Junte-se a nós!, 2017. Espanha pavilhão na 57ª Bienal de Veneza.  Foto: Claudio Franzini
Jordi Colomer - Junte! Junte-se a nós!
Curadoria: Manuel Segade
Curadores: Ministério dos Negócios Estrangeiros e da Cooperação de Espanha; Agência Espanhola de Cooperação Internacional para o Desenvolvimento (AECID).
Com o apoio de: Acção Cultural Espanhol (AC / E)
Entendida como uma continuidade com o seu interesse inicial em escultura e teatro, exposição Jordi Colomer para o Pavilhão de Espanha é concebida como uma instalação de instalações. O título literalmente fala com o público, com um modo imperativo (Junte-!) Porque o espectador espera uma coisa: o seu destacamento, o visitante decidir participar, é uma expectativa relacional. A série de vídeos que pontilham as instalações são microrrelatos concatenadas narrando ações que ocorrem em lugares diferentes. Cada uma das peças distribuídas por espaços de circulação e paragem, assinar uma troca coletiva representando um movimento urbano.
Cadastrar-se! Junte-se a nós! é uma reivindicação de nomadismo como ação coletiva. Peregrinações, transumância, viagem, perdido, convicção ... são as chaves para um pavilhão que atrai nas utopias de cidades que têm explorado o movimento como uma forma radical de pensar sobre o imaginário social. Totalmente eles fazem -se uma visão em diferentes escalas de uma cidade deslocamento do fragmento suscetíveis e precariamente. Os modelos serão feitos com folha de flandres pintado e módulos que serão permanentemente agitados por altas - alimentado fãs, e vibração contínua de uma cidade animado.
Como de costume em trabalhos anteriores Colomer, acções performativas são realizadas por não-atores que encarnam os seus próprios papéis de tela. Sua andarilho narrativa, viajar, ocupado, depende de diversos contextos geográficos, como Nashville, Atenas, Barcelona ... permitindo-enxertos com diferentes tradições vernáculas locais, mas também mostrar as mudanças culturais que ocorrem nelas. Esta taxa, entre a diferença e repetição, é o Pavilhão espaços estrutura: se os personagens dançar ou pedal, se o espectador está na arquibancada para assistir ou ser visto, é porque se ligam em um teatro da realidade, onde o mundo como um espetáculo tem a sua contrapartida precária imaginar alternativas, permitindo a formação cultural. Um novo imaginário da cidadania por vir.

ARGENTINA


Claudia Fontes, o problema do cavalo.  Argentina pavilhão na 57ª Bienal de Veneza de 2017. Cortesia: Pavilhão argentino
Claudia Fontes - O Cavalo problema
Curadoria: Andrés Duprat
Comissário: Mauricio Wainrot
Instalação O cavalo problema, Claudia Fontes, mostra um congelado no tempo em que um cavalo, uma mulher e um jovem reagem de forma diferente a uma cena paradoxo vemos um desenvolvimento crise, e seus sintomas são, no o mesmo tempo a causa do problema. A cena é inspirada por esses ícones culturais do século XIX em torno do qual a Argentina artificialmente construídos identidade cultural e os desafios em uma cena surreal que tem a marca de uma aparição.
Fontes tomou ideias para o problema cavalo de três fontes diferentes. O ponto de partida foi a presença oculta do cavalo por trás dos materiais com os quais ele é feito do edifício. O cavalo - desenhado e reuniu-se no momento em que o Arsenal, um papel de liderança na fabricação e transporte de madeira, tijolo e ferro foi construída.
Um segundo aspecto contextual que o artista se aproxima é a função original do edifício: a fabricação de canhões e balas de canhão para os barcos que foram construídos no Arsenal do século XIII em diante, no que constitui o primeiro exemplo histórico de uma linha produção, antecessor direto do fordismo.
Finalmente, a história de La Biennale di Venezia como uma instituição que insiste em perpetuar a tradição de representações nacionais feitas do século XIX Fontes localizar sua abordagem crítica sobre como a idéia de nação foi forjada ao longo da história, e, especificamente, na Argentina.
Neste sentido, a pintura La Vuelta del Malon Ángel Della Valle, 1892, é uma referência fundamental para o problema do cavalo, porque foi a primeira obra de arte encomendou um artista com o propósito específico de representar culturalmente no exterior a Argentina como uma nação.
A pintura retrata o que era então entendida como "a conquista do deserto", a apropriação violenta pelo estado das terras habitadas pelos povos indígenas no século XIX em populações Argentina.
O artista emprestado aqueles personagens que têm um papel passivo na pintura-um cavalo branco e uma mulher cautiva- e colocar em ação em suas próprias instalações, por um conjunto de escalas que expressa as emoções que câmbio esses dois personagens. Em uma torção forte, pilotos Fontes substituído pelo próprio edifício pavilhão, com todo o seu conteúdo histórico. Mas a mulher e cavalo não está sozinho em seu pathos: 400 rochas ameaçadoras, um jovem e uma sombra completar a cena.

BRASIL


imagem de referência para Chão de Caça de 2017, Cinthia Marcelle: Pavilhão do Brasil na 57ª Bienal de Veneza.  Cortesia do artista
Cinthia Marcelle - Chão de Caça
Curadoria: Jochen Volz
Curadoria: João Carlos de Figueiredo Ferraz
Instalação em Chão de Caça , Cinthia Marcelle de uma grade de piso inclinado feito de soldado ocupa o interior duas galerias conectados pavilhão brasileiro. pedras comuns, tais como aqueles encontrados em torno do Giardini, são espremidos pela grade. Ele é reconhecido imediatamente este tipo de grade, normalmente usado em um contexto industrial ou no espaço público, por exemplo, entre trilhos de trem ou poços de ventilação da tampa subterrâneas ou sistemas de esgoto. Entrelaçada com a grade e seixos, há elementos esculturais adicionais, uma série de pinturas e vídeo.
Uma série de postes de madeira são fixos na estrutura do pavimento, cada um equilibrando uma pintura em tela, como um bando de fantasmas ou uma pequena floresta de bandeiras, tochas ou totens. O apoio das pinturas é um tecido de algodão com listras pretas e brancas, folhas comuns, mas cada uma das listras pretas foi cuidadosamente removido com tinta branca.
Há também um vídeo: um tiro a partir de um ângulo sobre um telhado, o qual é gradualmente removido do interior de um grupo de homens, criando uma abertura suficientemente grande para que possam subir no telhado e escapar. Na peça, realizado pelo cineasta Tiago Mata Machado, uniformes coloridos sugerem que os homens subindo para o telhado do tijolo são prisioneiros, trabalhando em seu vôo ou preparando-se para protestar, recordando décadas de rebeliões prisionais em todo o mundo, a partir de Glasgow, Milão, Sydney e Sri Lanka, para os terríveis massacres nas prisões brasileiras nos últimos meses. Claro, o filme Marcelle e Machado não comentar diretamente sobre qualquer um desses eventos, e muito menos ilustra as condições reais de prisão.
"Marcelle joga com a ambiguidade, cria uma atmosfera enigmática, conduzido pela suspensão, obsessão e revolta. Toda a instalação provoca uma sensação de instabilidade , "diz Volz. "Tanto quanto nós pode ser seduzido para se agarrar à imagem da prisão, a quebra ou distúrbio, indicado pela projeção de vídeo e ressoando com a rugosidade da grelha de aço, também se poderia imaginar estar em um laboratório peculiar ou oficina de um artista perturbado, em uma floresta techno ou uma cidade selvagem".

BOLÍVIA


Sol Mateo, mutação genética de Colonialism, 2017, isopor escultura / instalação, 260 x 250 x 200 cm.  Cortesia do artista
Artistas: Jannis Markopoulos / José Ballivián / Sun Mateo - Essence
Curadores: José Bedoya / Juan Fabbri / Gabriele Romeo
Comissário: José Bedoya
Desde 1990, a Bienal de Veneza foi assistido por artistas bolivianos como anjos Fabbri, Inés Córdova, Gil Imaná, Fernando Montes, Raul Lara, Hortensia Montenegro, Chrystal Ostermann, Ricardo Pérez Alcalá, Gaston Ugalde, Guiomar Mesa, Joaquín Sánchez, Narda Alvarado, Sonia Falcone, José María Galindo Laura Yapita e como parte do coletivo Mujeres Creando. No entanto, é a primeira vez que a Bolívia tem um Comissário na Bienal nomeado pelo Estado boliviano, e é a primeira vez que a Bolívia tem o seu próprio pavilhão para expor as obras.
Essência pretende ser o ponto de uma pesquisa de partida para a origem desse elemento essencial distante, mas muito íntimo, que nos torna humanos. Esta pesquisa da periferia latino-americana, especialmente desde que a Bolívia propõe questionamento e diálogo com os centros de arte na construção e apropriação do Ocidente no diário boliviano.
Bedoya convidou Sol Mateo, Jannis Markopoulos e José Ballivián para participar do projeto para sua famosa carreira artística, a produção atual ligação tem com a proposta curatorial ea confiança que os três artistas poderia responder com o máximo profissionalismo para um evento como a Bienal de Veneza.
A proposta destes artistas traz um fardo inevitável subjacente conflito, mas não negligenciar o humor, a liberdade ea utopia convidar-nos a reler diferentes áreas da realidade contemporânea da Bolívia.
perguntas Sol Mateo e critica o imperialismo contemporâneo, buscando a desconstruir as cordas de poder no hoje 's mundo. Seu trabalho, parte do interesse em compreender os processos e pergunta globais nos leva a refletir sobre a "essência colonial" do mundo contemporâneo. Sob o título interpolando mutação n G Netica de Colonialism , Sol Mateo procura para interrogar em Veneza a cultura ocidental.
Jannis Markopoulos coloca em sua reflexão filosófica: que a essência da vida pode estar relacionada com as sementes, o que pode potencialmente atingir Ser . Sua pesquisa nos convida a pensar de uma essência que é capaz de transcender as fronteiras, bandeiras, línguas e religiões. Assim, convida-nos a pensar da essência como um conceito profundamente humano que pode quebrar qualquer fronteira cultural.
Usando dois touros como uma referência para a dança andina Waka Waka , José Ballivián reflete sobre encontros e desencontros culturais. Sua utopia destaca a impossibilidade de construir uma sociedade verdadeiramente intercultural na Bolívia pós-colonial. Dança Waka Waka é uma dança colonial construído pelas comunidades aimarás que, vendo chegar o colonizador acompanhado por vacas e touros, criadas essas expressões visuais, como forma de satirizar ambas as touradas e as regras de controle espanhol impostas sobre eles . Assim, a utopia indígena da liberdade da dominação colonial, ou pelo menos contornar isso , é atualizado.

CHILE


Werken, Bernardo Oyarzún.  Chile pavilhão na 57ª Bienal de Veneza de 2017. Foto: Adrian Guitierrez Villanueva
Bernardo Oyarzún - Werken
Curadoria: Ticio Escobar
O trabalho Werken , Bernardo Oyarzún foi projetado especificamente para preencher o Chile pavilhão na 57ª Bienal de Veneza (2017). A parte artista neste trabalho , como em muitos outros grandes conflitos dela nublando o horizonte Mapuche, diminuir suas terras, territórios e minar sua cultural renovar suas reivindicações. Werken abre uma cena paralela para acomodar os corpos e os nomes do povo mapuche, que excluídos da participação efetiva na arena pública; radicalização faz a tensão entre, por a um lado, conteúdo complexo relativas aos problemas do povo mapuche e, por outro, o estado de espírito crítico, poética e estética da arte contemporânea.
Embora durante décadas a questão Mapuche começou a tomar alguma presença no debate público chileno, seu tratamento não se traduziu de forma significativa nas políticas de Estado efetivas, nem tem profundamente permeado a reflexão cultural, nem, discurso muito menos animada em art. Exceto exceções valiosos, a consideração da estética Mapuche assume uma perspectiva puramente etnográfica e esgotados trabalhos em metal, madeira e tecidos, manifestações de valor criativo e formal indubitável, mas desvinculado de implicações políticas e para além de qualquer reflexão sobre a situação histórica dos povos indígenas. Além disso, as políticas públicas não incluem o tempo expressiva e sensível da cultura Mapuche ou reduzido a um inofensivo ligado à economia de artesanato e após o princípio inevitável da "diversidade" pintoresquismo fazer a diferença apenas um tom que infunde policromía multicultural.
Oyarzun mantém uma visão crítica do estado-Mapuche pessoas que se tornaram, em suas palavras, "uma espécie de estado de guerra" e expressa em uma negação da cultura indígena. Como na América Latina em geral, este conflito, que começou nos tempos coloniais e se consolida com o surgimento do Estado moderno, adquiriu hoje características especiais para o problema piora da terra e perturbação causada pela erupção de comunidades índios nas cidades, incluindo a capital. De acordo com considerações de Oyarzun, historicamente, o Estado mantém um padrão duplo de frente para a questão Mapuche. Por um lado, visa projetar uma imagem correta de inclusão; por outro lado, "continua a violar os direitos mais básicos do povo mapuche, especialmente pela lei antiterrorista aplicada em seus territórios".
O trabalho Werken se baseia na exposição de 1.500 mapuches máscaras, colocadas no centro da sala, formar uma contornos irregulares figura circular ocupa aproximadamente 10 x 11 metros. As peças são dispostas ao nível dos olhos, suportado por hastes de ferro naturais. paredes úteis na sala, linha pasamensajes sempre ao nível dos olhos, ele é instalado LED sinais. De acordo com uma velocidade definida, exibe sinais parar de correr 6.906 Mapuches escrevendo sobrenomes: tudo o que existe atualmente. A cena, dim, é, basicamente, iluminado por luzes sinais vermelhos.
O número de máscaras apresentados não correspondem aos nomes atuais, como muitos deles tornaram-se vago, não sujeito ao rolamento. Ainda assim, o número de peças é considerável: talvez representa o conjunto em si a cerimônia em que a máscara, o ngillatun leva; mas também pode representar uma comunidade, uma lof; ou, talvez, um exército de guerreiros, weichafes, ou mesmo um grande encontro de linhagens um aylla-rewe9. O conjunto de máscaras também sugere uma multidão ameaçadora; um silêncio, auditório expectante; ou todo um povo: a humanidade visto a partir do núcleo radical da cultura, endossado pelas certezas de mito e aparências incontestáveis ​​rituais.
Art está perto politicamente, não porque tematice injustiça, mas porque é capaz de imaginar um mesmo mínima mapa social mudança,. Não para atribuição de profetizar, mas por sua capacidade de anunciar um espaço pronto para receber os corpos inteiros. Não é porque você comprou o dom de adivinhar, mas porque você pode antecipar uma clareira onde são registrados todos os nomes.
* Trecho do texto curatorial Ticio Escobar, Werken. A questão Mapuche de 2017
As duas guias seguintes alterar o conteúdo abai

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