domingo, 18 de maio de 2014

Lygia Clark de muitas reviravoltas, no MoMA

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"O abandono da arte '

"O abandono da arte '

CréditoByron Smith do The New York Times
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O Museu de extensa pesquisade Arte Moderna do trabalho da artista brasileira Lygia Clark influente tem um título singularmente pouco promissor: "Lygia Clark: o abandono da arte, 1948-1988" sinais de uma espécie de decepção, especialmente se você gosta de arte. 
Mas uma vez que você trabalhou seu caminho através deste down up-and-reunindo cerca de 300 obras, igualmente montagem e alternativas menos rígidas podem vir à mente, como "a expansão da arte" e "a internalização de arte."
Porque Clark (1920-1988) não abandonar tanto a arte como empurrá-la devagar, meticulosamente e mesmo logicamente - em pequenas pinturas abstratas, pedaços de parede e esculturas flexíveis - para um lugar onde objetos e materiais foram feitos para serem manuseados e espectadores tornou-se participantes, sozinhos ou em grupos. Clark inventou um processo que chamou de "estruturação do self", uma espécie de terapia psico-físico ou processo de cura que também pode ser chamado trabalho de corpo, e por algum tempo no final de 1970 e 80, ela praticou em clientes privados antes revertendo seu "abandono" e voltando-se para a arte nos últimos anos de sua vida.
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"Facilitadores" demonstrar "Casal" de Lygia Clark (1969). CréditoByron Smith do The New York Times
Um dos mais fascinantes dos trabalhos participativos é capturado em um vídeo granulado em galeria final da mostra, que está pendurado com máscaras, ternos do corpo Hazmat digno e os pequenos objetos de bricolage, excêntricos que Clark elaboradas por seus participantes (e mais tarde seus clientes ), juntamente com as imagens de las em uso. (O meu favorito é um saco plástico com um elástico em torno do seu centro que contém água e um punhado de pequenas conchas, que eu definitivamente quero tentar em casa.) O vídeo retrata "Antropofágico Slobber", que foi promulgada em 1973, por estudantes de Clark na Sorbonne, onde ministrou um curso sobre "comunicação gestual" por vários anos. Uma vez que você conseguiu passar o fator "eeeee-YOU" da descrição desta "proposta sensorial", como Clark chamou, ele é bonito e bastante brilhante.
Então aqui vai: Uma pessoa (escassamente vestidas, diz o rótulo) deita, e vários outros se reúnem ao redor, cada um com um carretel de linha de cor na boca. Eles proceder para retirar e "garoa" o fio, molhado com saliva, sobre o rosto e corpo de seu colaborador de bruços, formando uma rede fina e aleatória de cores diferentes.
Embora você possa ter de ler o rótulo para entender exatamente onde ele está vindo, a delicada teia crescente de fio precipitada pelo círculo íntimo de pessoas, é muito estranho e sugestivo e simplesmente intensa não assistir por um tempo. Ela fascina, sugerindo algum rito antigo, primitivo e profundo, seja de nascimento, batismo, iniciação ou enterro. Nada disso elimina um aspecto sci-fi: Nós também poderíamos estar assistindo o cultivo de uma segunda pele, uma rede de proteção ou uma fiação complexa que o corpo acabará por absorver a ganhar poderes sobre-humanos. (Spider-Man?)
E então, talvez, estamos de volta no eee-lo, a intimidade primordial de transferência do segmento de boca-a-corpo, do suave forçando os participantes em uma experiência coletiva que só eles podem conhecer plenamente. Parece fadado a ser cobrado e fornecer informações valiosas sobre a conexão humana. Quantas pessoas iriam participar com a promessa de tal visão? Quem sabe. Mas pense sobre a velocidade com que você pode realizar respiração boca-a-boca em um estranho ou ajudar um ao dar à luz - como aconteceu recentemente em uma calçada de Nova York - e os tipos de laços que emergem de tais encontros.
Para uma visão mais aprofundada, recomendo a leitura um do Catálogo Mostrar 10 ensaios, em que o artista performático e professor Eleanora Fabião escreve sobre sua própria participação em "Antropofágico Slobber", que vai ser "ativado" por "facilitadores", nas palavras de Comunicado de imprensa do museu, às vezes, sem aviso prévio.
Esta incomum, às vezes cansativo, mostrar às vezes irritante - a primeira pesquisa abrangente de Clark na América do Norte - foi organizado por Luis Pérez-Oramas, curador de arte latino-americana da Moderna e Connie Butler, curador-chefe do Museu de martelo em Los Angeles e ex-curador-geral de desenhos da Moderna. É frequentemente um assunto bastante sombrio, em parte por causa de uma falta de cor. Parece quase como seMoMA está fazendo penitência para o barulhento abandono da retrospectiva Isa Genzken nestas galerias do sexto andar sobre o inverno.
"Lygia Clark" introduz um artista, um pensador e (a julgar por seus escritos no catálogo) a confortavelmente personalidade egocêntrica complicado, régio, que não se encaixa facilmente em qualquer arte ou categoria profissional.Seus primeiros trabalhos tem um perfeccionismo delicada, mas também uma notável falta de sensualidade. Esforços posteriores pode fracasso espetacular e de forma descuidada, mesmo ilusoriamente, como com a peça de instalação risível "A Casa é o Corpo: penetração, ovulação, germinação, expulsão.", De 1968 reverência apresentado por si só, no quarto andar, que consiste em quatro closetlike quartos; o visitante supostamente re-experimenta os processos no título. Como se. "Penetração" é preenchido com balões brancos, enquanto "expulsão" envolve fio pendurado no teto e bolas de borracha no chão.
A carreira de Clark tem uma qualidade de crescimento forçado, em que a viagem é quase mais impressionante do que qualquer uma parada ao longo do caminho. Na verdade, se estende por mais anos no tempo de arte do que o comprimento de sua vida, mas às vezes ela parece parar na repetição, como se ela não podia ser incomodado para desenvolver suas próprias idéias. A linha que passa é uma atração a escala íntima e uma espécie de espaço em espiral em que dentro e fora de se tornar um.
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Algumas das esculturas de metal de Lydia Clark chamou de "Bichos" ("Bichos").CréditoByron Smith do The New York Times
O show é apresentado em quatro grandes galerias, cada denso, com um tipo diferente de arte, como uma série de jardins bem cultivados. Primeiro vem a pintura. Após algumas preliminares de representação capazes, no início de 1950, ela se move para diversas variedades de abstração geométrica, muitas vezes em cores bonitas que chegam de volta ao construtivismo russo do final dos anos 1910, bem como Klee e Mondrian, este último um artista admirava o suficiente para resolver em uma carta imaginária reimpresso no catálogo: "Você está mais vivo hoje para mim do que todas as pessoas que me entendem, até um certo ponto." Essas obras qualificou para ser membro da auto-consciente avant-garde grupo neoconcreto, que também incluiu Hélio Oiticica , um pintor mais jovem e amigo de longa data com interesses semelhantes em inatividade.
As pinturas, em seguida, tornar-se cada vez mais físico, e as linhas de incisão começam a se inclinar na diagonal, levando a uma segunda galeria, onde uma série de bloqueio composições em preto-e-branco são investigados quase ad nauseam em obras que estão muito em sintonia com os de Josef Albers e Ellsworth Kelly. Logo, Clark está fazendo trabalhos semelhantes em metal, o que lhes permite ser moldado e os aviões preto e branco para ângulo para fora, o que finalmente leva Clark para o espaço real.
Clark tinha falado sobre isso por um tempo. Em 1956, ainda um pintor, ela deu uma palestra em que abordou a importância do espaço da mesma forma que minimalistas que alguns anos mais tarde.
A terceira galeria é dominado por suas obras mais conhecidas, as pequenas esculturas de metal encantadoramente com o nome "Bichos" ("Bichos") e os esforços relacionados 1960-63. Feito de alumínio principalmente recorte, os seus planos geométricos são articulados juntos e dobrar em vários arranjos - uma forma de pós-minimalismo antes do fato. Três cópias estão disponíveis para manipulação, o que é divertido. Assemelham-se brinquedos para adultos visualmente orientados que poderiam ser facilmente vendidos em loja de presentes da Moderna. Por isso, é um pouco confuso para ver a partir de fotografias do catálogo que Clark também considerados alguns deles modelos para imensas, genéricos esculturas públicas.
Não deve ser esquecido são duas vitrines que passo fora do fluxo cronológico e contêm alguns dos trabalhos mais gratificantes no show: estruturas minúsculas feitas de caixas de fósforos colados em configurações empilhadas pintadas principalmente brilhante vermelho ou azul. Estas estruturas compartimentadas, a partir de 1964, quando Clark estava chegando longe de objetos, podem ser planos para casas ou móveis.
A galeria final vem como um alívio, mesmo porque a angularidade hard-edge de muito do trabalho anterior cede, dando lugar a materiais maleáveis ​​moles que predominam nos objetos improvisados ​​usados ​​freqüentemente em seu trabalho terapêutico. Envolvendo bolas, luvas de borracha e máscaras, eles muitas vezes se assemelham refugiados de surrealismo, mas, principalmente, sugerem que Clark havia atingido um lado de sensibilidade que ela não viveu o suficiente para se desenvolver plenamente, dentro ou fora da arte.
O catálogo acrescenta muito para o show, mas não o suficiente. Os ensaios, apesar de interessante, tendem a enfocar e fetichizar aspectos da realização de Clark, quando alguém precisava de puxar para trás e dar uma melhor noção da mulher e de sua vida para o leitor em geral. A cronologia, geralmente uma visão confiável de vida e trabalho, é em grande parte uma lista de exposições em forma de prosa. No parágrafo do ensaio de Ms. Fabião abertura, ela menciona que Clark, que nasceu em Belo Horizonte, foi um membro de uma família aristocrática muito bem-off. Isto deixa-nos a pensar como a riqueza da família afetou sua vida, que inclui períodos em Paris.
Felizmente, o catálogo inclui exemplos de escritos e cartas de Clark, que apresentam um espectro bastante completo, a partir de momentos de narcisismo ("Eu estou me sentindo tão bem que quando eu acordar meu corpo me agradece") a Nova Era Mumbo-jumbo para muito astuto avaliações do seu trabalho e que de artistas como Albers e Jackson Pollock, a quem ela viu, com razão, como antecedentes.
Esta exposição é muito mais fácil de passar com a condução de Clark, mercurial, às vezes pioneiro inteligência sussurrando em seu ouvido.

segunda-feira, 12 de maio de 2014

Uma breve história da palavra 'curador'


Compartilhado de http://www.phaidon.com/


Uma vez que o único empregado para descrever a máquina de exposição, agora ele é usado para qualquer um de um programador de festival de música celebridade para um hipster de Williamsburg com uma conta iTunes.Britânica Art Show curador Tom Morton nos fala através das origens da palavra mais usada dos tempos modernos
Tom Morton, Curador da mostra de arte britânica
Tom Morton, Curador da mostra de arte britânica



 
Uma história muito curta da palavra "curador" pode ser executado da seguinte forma. Na Roma Antiga, curatores eram altos funcionários responsáveis ​​de vários departamentos de obras públicas, supervisionando aquedutos, balneários e esgotos do Império.Avançando para o período medieval, e nos deparamos com o curatus, um sacerdote dedicado ao cuidado (ou 'cura') das almas.
Até o final do século 20, 'curador' veio para descrever uma ampla categoria de tomadores de exposições, de funcionários do museu que passam anos trabalhando em modestos displays, escrupulosamente pesquisados ​​de cerâmica suméria, para freelancers que se aproximam em grande escala Bienais de arte contemporânea como um oportunidade de limpar a garganta auteurial.
Aqui no terceiro milênio, a palavra curador passou por mais uma mudança no uso. Apropriado pelos departamentos de empresas interessados ​​em imbuir seus produtos com um ar de distinção duramente conquistada e comercialização emprestado avant-garde legal, agora é usado para descrever qualquer pessoa a partir do programador celebridade de um festival pop para um estilista de moda que reúne um "coleção cápsula" de outono / inverno das ações de uma loja de departamentos. Um curador, aqui, é, essencialmente, um seletor pago de material para a venda, quer seja bilhetes para concertos ou abotoaduras. (Notavelmente, galerias de arte comerciais tendem a lutar tímido de descrever seu pessoal exposições como "curadores", deixando o título para os profissionais do sector não lucrativo que não o fazem, um, lucrar com as obras que eles escolhem para exibir).
Claro, há uma possibilidade de que os marketeers que empregam a palavra "curador" não tem mais interesse em evocar o mundo do museu do que eles fazem de evocar gerência média romana ou a igreja medieval. 
Talvez eles estão apenas respondendo à "virada curatorial 'mais amplo em padrões de consumo descrito na revista literária baseada em Nova York coleção n +1' s de ensaios Que era o Hipster? que argumenta que a atual geração de jovens elegantes coisas são 'prosumers' que preferem selecionar artefatos culturais, em vez de produzi-los, brandindo-los "como capital". O 'curador' de uma loja pop up ou um festival boutique torna mesmo essa forma atrofiada de criatividade redundante - como o comediante Stewart Lee escreveu em um artigo recente no Financial Times sobre a sua nomeação como o "curador" de um fim de semana de comédia no uma das principais artes de Londres venue "Eu sou um curador. Que palavra morta. Parece que alguém mexendo bosta em um vaso sanitário com uma vara." Então exatamente o que Lee faria da declaração de missão da surpreendentemente chamado Seattle PR firma Curador é divertido de se contemplar. Sem um traço de consciência histórica, o site da empresa afirma que "As marcas mais eficazes - sabendo a influência do consumidor com poder de hoje - irá criar produtos, serviços ou experiências que podem stand-up para a conversa do mercado." É um longo caminho desde o museu público, muito menos administração aqueduto ou o cuidado com a alma eterna.

Tom Morton, Curador da mostra de arte britânica

EXPOSIÇÃO DIA DO ARTISTA NO CREArte

Em comemoração ao Dia do Artista Plástico comemorado em 
08 de maio o CREArte abriu a Exposição Coletiva.
 Nesta exposição podemos ver telas de André Felber, 
Solange Leminski, Marcelo Schimaneski, Alceu Rogoski, 
Sidney Mariano, Erinilda Parubocz, Edson Costa (+), 
Werner Wrobel (+), João Carneiro, Osires Guimarães, 
Glaura Barbosa Pinto e Ana Maria Marochi.

CREArte Centro de Referência e Ensino de Arte
Rua Ricardo Wagner 105 Olarias
Aberto das 14 às 17 h entrada gratuita


A Galeria funciona em um Espaço multi uso onde acontece oficinas de pintura, leitura, teatro, apresentações de videos e eventos culturais.


No proximo dia 28 de maio (quarta feira) teremos o lançamento do livro Infantil "Tá pintando um clima no brejo" de Alfredo Mourão, junto com o evento teremos uma apresentação de Cassiano Caron contando histórias infantis e contos e causos, os ingressos já estão a disposição pelo fone 9962 5952 no valor de R$ 30,00 com direito a um livro autografado e depois coquetel.... Lembrando que o local terá lotação de 100 pessoas.


08 de maio - Dia do Artista Plástico Brasileiro

A data foi escolhida em homenagem ao pintor 

José Ferraz de Almeida Júnior, um dos 

artistas brasileiros mais importantes - século XIX.

 Nasceu em Itu (SP), no dia 8 de maio 1850. 

Aos 19 anos entrou para a Academia Imperial de Belas

 Artes, no Rio de Janeiro, onde foi aluno de Jules 

Lê Chevrel, Victor Meirelles e Pedro Américo. 

Em 1876, recebeu uma bolsa de estudos 

do Imperador dom Pedro II e seguiu para Paris, 

onde participou da exposição arte mais badalada 

da época, o Salon Offíciel dês Artistes Français. 

O pintor produziu cerca de 300 obras, e entre 

seus quadros mais famosos estão Violeiro, 

Picando Fumo e Caipiras Negociando, que retratam

o dia-a-dia do homem do campo. 

Almeida Júnior morreu assassinado dia 13

de novembro de 1899, em Piracicaba (SP). 

Em 1950, 8 de maio foi oficializado como 

Dia do Artista Plástico Brasileiro.






CREArte Centro de Referência e Ensino de Arte
Rua Ricardo Wagner 105 Olarias
Fone 9962 5952
Ponta Grossa Paraná
https://www.facebook.com/CREArtepg


Museu UEPG promove exposição sobre a propaganda


Compartilhado do Diário dos Campos

O Museu Campos Gerais, da Universidade Estadual de Ponta Grossa (UEPG), promove a exposição. “A propaganda liga a cidade", que traz uma série de objetos pertencentes ao acervo do museu, à Casa da Memória Paraná, ao Museu Época e ao Museu da Família Hass. A promoção faz parte da 12ª Semana Nacional de Museus, organizada pelo Instituto Brasileiro de Museus (IBRAM), em comemoração ao Dia Internacional de Museus, de 12 a 18 de maio.
A diretora técnica do Museu Campos Gerais, Elisabeth Johansen (professora do Departamento de História), explica que durante esta semana as instituições museológicas de todo o Brasil promoverão atividades relacionadas ao tema “Museus: as coleções criam conexões”. “Dessa maneira, o Museu Campos Gerais pensou a propaganda local como temática que interliga diferentes coleções, ou seja, promovendo conexões, que revelam aspectos da história da cidade de Ponta Grossa relacionados ao comércio, figuras políticas, espaços culturais, festividades locais, dentre outros”.
A exposição “A propaganda liga a cidade" terá início nesta terça-feira e permanecerá aberta até 31 de julho no Museu Campos Gerais (Rua Engenheiro Schamber, 686, Centro). Para atender a demanda do público que tenha interesse em visitar esta exposição o Museu coloca-se a disposição para o agendamento de monitorias pelo telefone (42) 3220-3470 ou pelo e-mailmuseucamposgerais@uepg.br.
(Fonte:UEPG)
Divulgação
A exposição “A propaganda liga a cidade" terá início amanhã

domingo, 11 de maio de 2014

Regina Vater e Maria Nepomuceno são badalados em feira em NY


  • Evento acontece depois de retrospectiva de Lygia Clark e exposição histórica de Geraldo de Barros


Mulher observa obras na feira de arte Frieze
Foto: SPENCER PLATT / AFP
Mulher observa obras na feira de arte Frieze SPENCER PLATT / AFP
NOVA YORK — A generosa retrospectiva de Lygia Clark (1920-1988) que o MoMA abriu nesta sexta-feira serviu para consagrar, também, o interesse do mercado internacional por outros artistas brasileiros de sua geração. A galeria Tierney Gardarin, em Chelsea, acaba de inaugurar uma exposição histórica de Geraldo de Barros (1923-1998), com trabalhos dos anos 1940 aos 1990. E a feira de arte Frieze, que segue até amanhã na cidade, tem como destaque, além de Lygia, a obra de Regina Vater, que, aos 70 anos, ganhou um estande próprio, pelas mãos da galeria paulista Jaqueline Martins.
Estão à mostra apenas trabalhos da década de 1970. Nas fotos da série “Tina América” (1976), feita em um único rolo — e vendida nas primeiras horas de feira —, Regina aparece representando 12 personagens femininos latino-americanos: a guerrilheira, a dona de casa, a mulher fatal, a mãe.
— Não tem nada mais contemporâneo do que esse selfie. É uma obra histórica já considerada pela crítica americana a antecessora de Cindy Sherman — situa Jaqueline Martins, referindo-se à fotógrafa americana cujos autorretratos conceituais transformaram a recepção da fotografia nos museus.
Regina mostra ainda o vídeo “Luxo lixo” (1974), com imagens do lixo de Nova York e uma peça sonora produzida com Hélio Oiticica, e fotos que tirava das casas de seus colegas — na parede do estande, vê-se a bagunça de discos e livros de Vito Aconti (NY, 1976) e os bastidores da criação de Lygia Clark (Paris, 1974), entre máquina de costura, máquina de escrever e esculturas da série “Bichos”.
— Cada vez mais me surpreendo com o interesse genuíno de curadores, instituições, colecionadores e marchands em entender melhor artistas históricos brasileiros cuja trajetória ainda falta contar. Lygia, Cildo Meireles e Hélio Oiticica, eles já entenderam. Os contemporâneos também. Mas demoramos 40 anos para chegar até aqui, e há um buraco com relação a essa geração dos anos 1970, que é fundamental para entendermos a nossa contemporaneidade — diz a galerista.
As obras de Regina Vater à venda na Frieze custam de US$ 7 mil a US$ 20 mil. Já as de Lygia — a mais cara artista brasileira, com um trabalho vendido por R$ 5,3 milhões em leilão no ano passado —, todas na casa do milhão de dólares, ocupam bom espaço do estande da galeria londrina Alison Jacques. Há cinco desenhos neoconcretos, um “Bicho” e um protótipo da mesma série, em madeira e fita crepe.
Desta vez, a Frieze — que acontece em Londres desde 2003 e está em sua terceira edição nova-iorquina — reúne 190 galerias no Randall’s Island Park. Do Brasil, participam ainda A Gentil Carioca, Casa Triângulo, Fortes Vilaça, Mendes Wood e Vermelho. Muitas apostaram em estandes solo, uma tendência que ganha força em meio ao excesso de feiras de arte e artistas expostos nelas.
Cearense exibe ruínas
A Casa Triângulo apresenta uma individual do cearense Yuri Firmeza, com destaque para a série “Projeto Ruína”: a parede principal traz fotos de ruínas de palacetes construídos em Alcântara, no interior do Maranhão, para receber Dom Pedro II — que nunca chegou —, e um vídeo institucional do governo Dilma sobre a preparação dos estádios nas cidades-sede da Copa do Mundo.
— É produção de ruínas na contemporaneidade — diz Firmeza, que vai voltar a Alcântara no fim do mês para fazer o filme que exibirá na Bienal de São Paulo.
O estande da Gentil Carioca é todo dedicado a Maria Nepomuceno, que também tem uma obra na galeria londrina Victoria Miro. Já a Mendes Wood dá ênfase ao capixaba Lucas Arruda, que mostra pinturas, esculturas de cerâmica e um vídeo. Até a gigante Gagosian investe em um único artista, Ed Ruscha, que exibe uma nova série de pinturas com água sanitária.
Um dos grandes sucessos desta Frieze — que acena, como sempre, com uma mostra de trabalhos site-specific, uma repeitável série de palestras e filiais de restaurantes badalados — é o tributo ao Al’s Grand Hotel, originalmente criado por Allen Ruppersberg em Los Angeles, em 1971. O hotel foi fielmente remontado, com dois quartos onde os visitantes da feira são convidados a passar a noite.

quinta-feira, 8 de maio de 2014

Brasil estuda construir Centro de Restauração de Obras

Ideia é ter um programa de restauração e conservação de peças raras no País, inspirado no trabalho desenvolvido no Museu do Louvre.

Ministra Marta Suplicy visita o atelier de restauração da brasileira Regina Costa Pinto. Divulgação/Ministério da Cultura
Ministra Marta Suplicy visita o atelier de restauração da brasileira Regina Costa Pinto. Divulgação/Ministério da Cultura
As mãos que retocam importantes obras de arte do Museu do Louvre são da restauradora brasileira Regina Costa Pinto Moreira. A baiana que trabalha há mais de 40 anos para o museu mais visitado do mundo já se dedicou à restauração de telas de Tiziano, Caravaggio, Goya, El Greco, Manet, entre outros. Considerada uma das principais restauradoras na França e inclusive premiada pela Assembleia do Senado Francês, Regina agora trabalha na restauração da obra “Bethsaba segurando a carta de Rei Davi”, de Rembrandt. “É um trabalho minucioso. Estou trabalhando desde janeiro nesta tela e só devo acabar em junho”, explica.
A ministra da Cultura, Marta Suplicy, foi conhecer de perto o trabalho da brasileira que mora em Paris e pensa em levar o modelo de trabalho dos franceses para o Brasil: “É um trabalho inspirador e nós devemos focar em um Centro de Restauração para os museus federais nos moldes do Louvre. É uma forma interessante de se trabalhar”, destaca a ministra.
A ideia é montar um Centro Referencial de Restauração Nacional com um laboratório para fazer um exame das obras e definir o trabalho que deve ser realizado em cada peça. A contratação da restauração é feita por obra por meio de licitação. “A intenção é conjugar recursos públicos e privados para se manter um grande programa de restauração e conservação de obras”, explica Ângelo Oswaldo, presidente do Instituto Brasileiro de Museus (Ibram). No Louvre, cerca de 1600 obras são restauradas anualmente.
Intercâmbio Brasil-França
Desde o ano passado, o Brasil concede, a cada ano, bolsas a três estudantes de mestrado ou doutorado em universidades brasileiras para participar do Seminário Internacional de Verão de museologia, da Escola do Louvre, e de estágios em museus de Paris ou da região parisiense indicados pela Escola, perfazendo até três meses de intercâmbio na França. A Escola do Louvre, igualmente, enviará três estudantes franceses, anualmente, para estágios de até três meses em museus brasileiros indicados pelo Ibram.
Quanto ao intercâmbio profissional, anualmente os países se comprometeram a enviar um profissional ou docente da área de museologia para ministrar seminários de uma semana sobre temas de interesse mútuo. No ano passado, o Brasil enviou um professor, que ministrou curso de uma semana na Escola do Louvre sobre a museologia no Brasil, com foco em museologia social. Neste ano, o Brasil receberá uma professora francesa que ministrará curso de uma semana sobre estudos de público e acessibilidade a museus.
A Escola do Louvre é uma instituição de ensino superior, vinculada ao Museu do Louvre e ao Ministério de Cultura e Comunicação da França, que ministra cursos nas áreas de museologia, história da arte, antropologia e arqueologia.
Fonte: Portal Brasil

Dia 08 de maio - Dia do Artista Plástico - Nada mais justo que homenagear os Artistas Brasileiros com esta notícia....

Compartilhado G1 Globo - edição do dia 06/05/2014
06/05/2014 22h27 - Atualizado em 06/05/2014 22h27

Exposição dos painéis 'Guerra e Paz', de Portinari, é inaugurada em Paris

É a primeira vez que a obra prima do pintor brasileiro é mostrada na Europa. Operários-alpinistas trabalharam para formar os painéis no local.

Foi inaugurada, nesta terça-feira (6), em Paris, a exposição dos painéis "Guerra e Paz", de Cândido Portinari, pintados na década de 1950. É a primeira vez que a obra prima do pintor brasileiro é mostrada na Europa.
Foi inaugurada, nesta terça-feira (6), em Paris, a exposição dos painéis "Guerra e Paz", de Cândido Portinari, pintados na década de 1950. É a primeira vez que a obra prima do pintor brasileiro é mostrada na Europa.
Inauguração teve a presença de representantes dos governos do Brasil e da França 

Na entrada do Grand Palais em Paris o cartaz anuncia em francês a exposição dos painéis. A inauguração para convidados teve a presença de representantes dos governos do Brasil, da França e da administração das Nações Unidas.
De repente, nós temos um grande pintor, talvez o maior pintor brasileiro, aqui no lugar de maior honra na França, o espaço mais nobre, e que mostra o Brasil. Você vê brincadeiras brasileiras que se tornam universais nas mãos de Portinari”, diz Marta Suplicy, ministra do Turismo.
Salão nobre do Grand Palais recebe uma obra brasileira pela primeira vez

É a primeira vez que o salão nobre do Grand Palais recebe uma obra brasileira. Guerra e Paz foi pintado no início dos anos 50 e doado pelo governo brasileiro para a Organização das Nações Unidas. E o sub-secretário geral da entidade, Michael Adlestein, veio conferir o resultado e aprovou.
A grande sala de exposições foi toda preparada para contar a história dos gigantescos painéis. Com a ajuda de desenhos, estudos, todos originais e vídeos, o visitante pode conferir como Portinari pintou o desespero da Guerra e a beleza da paz.
Operação quase que de guerra levou os painéis do Brasil para a França

A mensagem de paz de Cândido Portinari está agora em um dos locais mais nobres de exposição do mundo. Mas foi preciso uma operação quase que de guerra para levar os painéis do Brasil para lá. Só para transportar as grandes placas de Madeira foram três aviões cargueiros lotados. Uma equipe de técnicos e restauradores veio do Brasil.
Em Paris foram contratados operários-alpinistas para encaixar as placas até formar os painéis de 14 metros de altura.
“Nós aprendemos com essas exposições, que nós fizemos e agora nós nos sentimos realmente preparados para levar para outros países. Guerra e paz podem ser dois grande embaixadores da missão da ONU”, afirma João Portinari, filho de Candido Portinari.
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