terça-feira, 16 de abril de 2013
segunda-feira, 15 de abril de 2013
E agora Pichação é Arte??????
Pichação é arte
por João Wainer*
Trabalho como repórter-fotográfico em São Paulo e passo
o dia todo rodando pelas ruas dessa gigantesca cidade. O
banco da frente do carro de reportagem é meu escritório. O
barulho das buzinas dos motoboys, o cheiro de fumaça e os
congestionamentos fazem parte da minha rotina.
Faz tempo que comecei a prestar atenção às pichações que
dominam os muros da cidade. Conheci alguns pichadores e
descobri que existe uma guerra silenciosa na noite
paulistana. Milhares de jovens disputam os lugares mais
altos para marcar seu nome ou o de seu grupo. Eles
escrevem num alfabeto próprio, desenvolvido com
linguagem e códigos específicos. Ganha a disputa quem
pichar mais alto, no lugar com maior visibilidade.
A cada nova história que escutava eu me interessava mais
pelo assunto. Passei a reparar nas letras, a tentar decifrar
cada palavra e mensagem como se fosse um quebra-
cabeça. Aos poucos, aquilo que parecia caótico começou a
fazer sentido para mim. Percebi que aquilo não era tão feio
como alardeavam. Na verdade, a suposta feiúra da pichação
até combinava com a paisagem acinzentada de São Paulo.
O estilo das letras, a forma, o jeito com que elas são escritas
são lindos. Adoro ver no alto dos prédios aquelas pichações
enormes, com letras enfumaçadas. Tento imaginar quem
fez, como fez e o que passou pela cabeça dele enquanto
fazia.
Pouca gente sabe, mas o estilo de letras criado pelos
pichadores de São Paulo é cultuado na Europa. Existem
livros na Alemanha que tratam exclusivamente da bela grafia
das pichações paulistanas, com fotos e textos analíticos
sobre o assunto. Creio que ao lado dos motoboys, os
pichadores são o que há de mais representativo e
genuinamente paulistano.
Além de bonito, o ato de pichar é um efeito colateral do
sistema. É a devolução, com ódio, de tudo de ruim que foi
imposto ao jovem da periferia. Muitos garotos tratados como
marginais nas delegacias, mesmo quando são vítimas,
ridicularizados em escolas públicas ruins e obrigados a
viajar num sistema de transporte de péssima qualidade
devolvem essa raiva na forma de assaltos, seqüestros e
crimes. O pichador faz isso de uma maneira pacífica. É o
jeito que ele encontrou de mostrar ao mundo que existe. Os
jovens da periferia das grandes cidades precisam aprender
a canalizar esse ódio para atividades não violentas, como o
rap, o grafite e até mesmo as pichações – que também
podem ser consideradas um esporte de ação, tamanha a
descarga de adrenalina que libera em seus praticantes. Ser
pichador requer ótimo preparo físico para escalar muros e
prédios, andar por parapeitos com latas de spray e correndo
o risco de ser pego pela polícia ou por algum morador
furioso.
Não é só por isso que considero artísticas as pichações de
São Paulo. A definição do que éarte tem algo de relativo e
abstrato. O que é arte para uns, pode não ser para outros.
Tudo depende das informações que cada um tem, onde e
como vive, como cresceu e que tipo de formação
educacional teve. É verdade que a ação dos pichadores
desagrada e é condenada pela maioria das pessoas que
vivem em São Paulo. Mas grandes artistas do último século
usaram a arte para reverter conceitos estabelecidos e
provocar mudanças de comportamento. Para isso,
precisaram incomodar o establishment. Toda arte que se
preze tem de incomodar, causar no espectador algum tipo
de reação à qual ele não está acostumado. A pichação é um
bom exemplo de como cumprir bem este papel.
Não defendo que cada leitor compre uma lata de spray e
saia pichando seu nome por aí. Apenas tento entender, livre
de preconceitos, um fenômeno que é visível nos pontos
mais movimentados da cidade e que faz parte da vida de
todos que andam por São Paulo. Apichação é o pano de
fundo da cidade, um detalhe do cenário que combina com a
cor do asfalto, o cinza dos prédios, o cheiro da fumaça que
sai do escapamento dos ônibus, o barulho do motor, da
buzina dos motoboys, da correria...
* Tem 28 anos e é repórter-fotográfico do jornal Folha de S.
Paulo desde 1996
Fonte: SuperInteressante
domingo, 14 de abril de 2013
BIENAL DE VENEZA
Veneza, a Bienal do impossível
- matéria compartilhada O GLOBO CULTURA (facebook)
- Curador de exposição que abrirá em junho, Massimiliano Gioni diz que maior mostra do mundo é um desafio à realidade
RIO - A começar pela ideia — a de uma exposição de arte que dê conta do imaginário do mundo inteiro —, a Bienal de Veneza é “um mito impossível”, sentencia o italiano Massimiliano Gioni. Aos 40 anos, ele é o mais jovem curador à frente da mais prestigiada e antiga exposição de arte do mundo, que acontece de 1º de junho a 24 de novembro, na Itália.
Como se quisesse lembrar o público de quão impossível é a proposta, Gioni decidiu instalar, no centro da mostra, o “Palácio enciclopédico”. Trata-se da maquete de um prédio que, segundo o seu criador, o artista Marino Auriti (1891-1980), serviria para abrigar o conhecimento de toda a Humanidade. E é isso também que, segundo Gioni, se espera de uma Bienal — que guarde a expressão visual do mundo inteiro.
No caso desta 55ª edição, além de 88 pavilhões nacionais (com comitivas selecionadas pelos países de origem), na mostra principal haverá 150 artistas de 37 países. O curador optou por mesclar trabalhos de artistas menos conhecidos, como o jovem brasileiro Paulo Nazareth, consagrados, como a americana Cindy Sherman, e outros nomes que, mesmo fora do campo da arte, criaram inventos poéticos, como o “Red book” que o psiquiatra Carl Gustav Jung (1875-1961) escreveu ao longo de 16 anos.
Apesar de jovem para o cargo, Gioni diz que “experiência não é problema”: já fez cinco mostras em grande escala — a Manifesta (em 2004), a Bienal de Berlim (2006), a Trienal do New Museum (2007), a Bienal de Gwangju (2010) e, há dez anos, assinou um pavilhão da própria Bienal de Veneza. O curador que mora em Nova York desde 1999 e conserva o carregado sotaque italiano ganhou o apelido de “príncipe das artes” do “Wall Street Journal” — ele é ainda diretor associado do New Museum, em NY, da Fundação Nicola Trussardi, em Milão, e mantém uma pequena galeria, a nova-iorquina The Family Business, com o artista Maurizio Cattelan.
Em entrevista ao GLOBO, Gioni diz que o modelo que adotará na Itália (que também apareceu na última Bienal de São Paulo), de mesclar artistas de fora do circuito e consagrados, foi em grande parte inventado por ele e compara a curadoria em Veneza a uma catapora: “É melhor ter quando se é jovem”.
Sente-se pressionado por ser o mais jovem curador da história da Bienal de Veneza?
Não quero soar prepotente, mas tenho experiência. É a minha sexta exposição de grande escala. Experiência não é o problema (risos). O que é muito diferente é que se tem muita expectativa em torno da Bienal de Veneza, e o fato de eu ser o curador mais novo à frente dela faz com que as pessoas esperem mais inovações. Ser jovem me faz um pouco mais nervoso também, porque as expectativas são maiores, e uma Bienal de Veneza geralmente vem no final da carreira, e eu espero que a minha ainda não esteja acabada (risos). Um amigo meu diz que é como catapora: “É melhor ter quando se é jovem”. Eu concordo.
Como conheceu o “Palácio enciclopédico”, de Auriti, que é o modelo da sua Bienal?
Sou grande fã do American Folk Art Museum, em Nova York, e vi a obra de Auriti lá, no ano passado. Achei que seria um bom ponto de partida para Veneza. O que eu gosto é que Auriti não era um artista profissional, e essa é uma das muitas coisas que estarão na exposição. Quero mostrar que há diferentes formas de ser artista. Se você observar os últimos dois anos, verá que há um interesse crescente na relação entre os artistas de fora do circuito e os do mainstream. Você reconhece esse diálogo em grandes exposições.
O senhor também selecionou não artistas, como Carl Gustav Jung. Por quê?
Quero que o público olhe para a arte contemporânea em diálogo com outras formas de expressão visual. Se deixarmos a arte contemporânea apenas no seu lugar, vamos, então, isolá-la, enfraquecê-la e transformá-la apenas numa forma de entretenimento. Vamos acabar jogando o jogo do mercado. É claro que aprecio museus, mas há muitos museus de arte contemporânea em que a arte parece só algo bonito para o qual olhamos. E é mais complexo do que isso. Ao olhar a arte em diálogo com outras situações, ela volta a ser mais complexa e sedutora. Além dos artistas marginais, teremos vários reconhecidos, mas sempre vistos ao lado de Auriti, de Bispo do Rosário... Há muitos artistas na exposição que estão fora do mercado. Não se pode comprar uma história de Rudolf Steiner ou o manuscrito de Jung, por exemplo. É algo que me ajudou a pensar a Bienal de Veneza. Não se trata de procurar apenas artistas novos, é um desafio muito mais complicado lidar com essa plataforma.
Esse modelo de diálogo com não artistas ou nomes históricos apareceu em mostras recentes, como na última Bienal de São Paulo. É uma tendência curatorial?
É algo que venho fazendo há muitos anos. Não é novo para mim. Fiz isso no New Museum, nas bienais em que trabalhei. Para mim, é parte de um desenvolvimento coerente. Certamente isso ficou mais popular. Fico um pouco nervoso porque talvez a minha Bienal seja percebida em relação a essas outras mostras, mas não quero mudar meu estilo apenas porque ele ficou mais mainstream. Você é criticado sempre que faz algo que se torna popular (risos). Mesmo a escolha do título do “Palácio enciclopédico”... Não é exatamente uma ironia, mas um sinal de que, assim como o sonho de Auriti era impossível, a ideia de uma Bienal que cobre o mundo todo é um mito impossível, um desafio à realidade. Estou dizendo isso porque muitas pessoas assumem que a Bienal é uma espécie de “Palácio enciclopédico” onde tudo pode ser encontrado e, certamente, não é isso.
Como o senhor selecionou os três brasileiros que estarão na mostra principal (Paulo Nazareth, Tamar Guimarães e Bispo do Rosário)?
No Brasil, é claro, há muitos artistas interessantes, mas escolhi três de diferentes gerações. Bispo (1909-1989) é uma figura histórica. Tamar tem 45 anos e já está trabalhando há algum tempo, tem uma voz muito interessante. Nos trabalhos que está fazendo para a Bienal e em outros, ela tem frequentemente a ideia do invisível e do espiritual, que está na essência dessa exposição. E escolhi alguém muito jovem, como Paulo (35 anos), que lida com a posição de artista fora do circuito de forma diferente. Paulo dirige-se ao lugar de pós-colônia, com o diálogo de culturas diferentes, de estar distante desse “mundo normal”, e isso me pareceu muito apropriado no contexto do “Palácio enciclopédico”. Porque essa é também uma exposição sobre museus, e é óbvio que essa ideia de museus está conectada à colonização. O trabalho dele ajuda a lembrar o aspecto colonial dos museus.
A Bienal de Veneza tem 110 anos, e o mundo se transformou nesse tempo. O senhor acha que o modelo ainda faz sentido nos dias de hoje?
Fiz muitas bienais e, não só como curador, mas como público, muitas das minhas melhores experiências foram nelas. Então, sou um grande fã desse tipo de mostra. O fato de existirem por tanto tempo e de agora haver tantas delas pelo mundo nos ajuda a pensar em quais são nossas expectativas do que vem a ser uma Bienal.
Na sua opinião, o que vem a ser uma Bienal?
Quando se tem cem bienais, você pode pensar que uma Bienal pode ser o que você quiser. E isso é o que eu quero tentar com essa exposição, sugerir que uma Bienal não é só a nova arte contemporânea. Não sei quantas pessoas foram à última Bienal de SP (520 mil, segundo a organização), mas na Documenta, em Veneza e na Bienal de Gwangju foram 500 mil. Isso quer dizer que o público quer esses eventos, e não estou dizendo que ele esteja certo, mas esses números mostram que essas mostras ainda são capazes de criar comunidades. Isso é muito especial. Vivemos na sociedade de imagens e reproduções, e saber que tantas pessoas querem ir até um lugar para ver mais imagens e obras de arte é algo que acho extraordinário e que não vai mudar. Há um artista italiano que costuma dizer que é o público quem se expõe para a arte, e não a arte que é exposta para o público. Acho que é verdade. Se tantas pessoas ainda querem se expor para a arte, esses lugares ainda são muito significativos.
Campanha Teatro Guaíra 2013 – Por um Novo Teatro Guaíra ....
Classe artística se reúne para discutir o Teatro Guaíra
A mobilização dos artistas curitibanos começou nas redes sociais com a Campanha Teatro Guaíra 2013 – Por um Novo Teatro Guaíra
Representantes da classe artística de Curitiba realizaram neste domingo (14) na Praça Santos Andrade a segunda mesa compartilhada para discutir o orçamento destinado à Cultura no Estado, além da infraestrutura do Guaíra e o modelo de gestão por Organizações Sociais (OSs), que está em discussão e pode ser adotado na gestão dos corpos estáveis do Teatro Guaíra (Balé Guaíra, Orquestra Sinfônica do Paraná (OSP) e a G2 Cia. de Dança).
A mobilização dos artistas curitibanos começou nas redes sociais com a Campanha Teatro Guaíra 2013 – Por um Novo Teatro Guaíra. Uma das principais motivações da classe artística, segundo o ator, cenógrafo e dramaturgo Enéas Lour, é reduzir o distanciamento que foi gerado nos últimos 10 anos entre a classe e o Teatro Guaíra. “Não se trata de um enfrentamento político, mas da busca de um canal de diálogo para que possamos voltar a participar das discussões e propor projetos”, disse.
A dificuldade orçamentária e o modelo de gestão por Organizações Sociais (OSs) também preocupam a classe artística. Atualmente, o orçamento do Centro Cultural Teatro Guaíra (CCTG) é de R$ 1 milhão por mês. No total, o montante destinado ao Teatro Guaíra equivale a 0,29% do orçamento da Secretaria de Estado da Cultura, afirma Lour. “Era de se esperar que um centro cultural do tamanho do Teatro Guaíra tivesse uma participação mais ativa na cena cultural do estado, mas com esse orçamento fica difícil”, diz ele.
Para a atriz e idealizadora da Campanha, Nena Inoue, infelizmente esse percentual reflete a importância que é dada à Cultura no Paraná. Nena também questiona a gestão pelo modelo de OSs, que são entidades sem fins lucrativos que firmam um contrato com o governo do estado para a administração de um equipamento. Segundo ela, a classe artística não foi chamada para participar das discussões. “Uma das vantagens propagadas seria a liberdade para captar recursos, mas sabemos realmente quais são os prós e os contras desse modelo de gestão”.
O secretário de estado da Cultura, Paulino Viapiana, e a diretora-presidente do CCTG, Mônica Rischbieter, estiveram presentes na segunda mesa compartilhada e se comprometeram a marcar um encontro com a classe artística de Curitiba para debater os temas propostos pela Campanha para melhoria do Guaíra. O secretário da Cultura admite que o orçamento destinado ao Guaíra para custeio de salários, manutenção do equipamento e programação não é o ideal, mas o possível neste momento. “A ideia é fazer com que orçamento evolua gradativamente até chegar a 1% do orçamento total do estado”, disse Viapina.
389 Projetos contemplados pela Fundação Cultural de Curitiba .....
Prefeitura divulga projetos contemplados com fundo cultural
A Fundação Cultural de Curitiba divulgou ontem o resultado dos projetos
classificados na seleção dos editais do Mecenato Subsidiado para Não
Iniciantes – 2012. Dos 636 projetos inscritos, 389 foram selecionados para
receber apoio financeiro a iniciativas culturais que contemplam música,
audiovisual, artes cênicas e visuais, literatura, folclore, artesanato, além de
patrimônio histórico, artístico e cultural e demais manifestações tradicionais.
O mecenato subsidiado é uma iniciativa da Fundação Cultural de Curitiba
terça-feira, 9 de abril de 2013
EXPOSIÇÃO "TOQUE DE LINHA" / ARTISTA SILVANA PASSOS
EXPOSIÇÃO "TOQUE DE LINHA" trabalhos da Artistas Silvana Passos
ESPAÇO CULTURAL ITACUERETABA / HOTEL VILA VELHA
DIA 11 DE ABRIL, AS 20:00.
ESPAÇO CULTURAL ITACUERETABA / HOTEL VILA VELHA
DIA 11 DE ABRIL, AS 20:00.
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