Guerra e Paz', de Portinari, será exposto no Grand Palais em Paris.

Compartilhado da Veja Arte.

Guerra e Paz', de Portinari, será exposto pela 1ª vez na Europa

O mural deixou o hall de entrada da Assembleia Geral da ONU em 2010 para iniciar uma viagem por várias cidades do mundo

A obra "Guerra e Paz": depois de 54 anos em Nova York, pintura volta a São Paulo, terra natal de seu autor (Divulgação)

O mural Guerra e Paz, a última obra do artista brasileiro Candido Portinari (1903-1962), será exposto pela primeira vez na Europa, no Grand Palais de Paris, entre os dias 7 de maio e 9 de junho. A obra, realizada entre 1952 e 1956, deixou o hall de entrada da Assembleia Geral da ONU em 2010 para uma mostra itinerante que já passou por Rio de Janeiro, São Paulo e Belo Horizonte. Paris é sua última escala antes de voltar a Nova York.

"Guerra e Paz traz uma grande mensagem ética e humanista", afirmou nesta quarta-feira o filho do artista e curador da exposição, João Candido Portinari. Segundo ele, seu pai se preparou durante toda a vida para fazer os dois painéis, ambos com 14 metros de altura e 10 metros de comprimento, que o governo encomendou para presentear a ONU em 1957. O tema do primeiro painel é a guerra, mas em vez de cenas de combate o artista optou por retratar o luto e o sofrimento da população civil. O segundo mural é dedicado à paz, simbolizada por danças e brincadeiras de crianças.

(Com agência EFE)

DOCUMENTÁRIO "MAGELA, O POETA"

Compartilhado por Almir Correia


DOCUMENTÁRIO "MAGELA, O POETA"

produção Zoom Elefante.
15 minutos de poemas e performances do poeta
mineiro curitibano Geraldo Magela Cardoso. 

Em breve lançamento na Cinemateca de Curitiba 

FAMÍLIA A BORDO CHEGA EM PONTA GROSSA

 O projeto Família a Bordo está  na 2ª edição, começando no dia 2 de abril e vai até junho, ou seja, ficaremos mais de 2 meses na estrada levando intervenções culturais de forma gratuita, principalmente para locais com populações pouco beneficiadas, tanto financeira como culturalmente falando e neste caminho estão chegando em Ponta Grossa onde ficarão alguns dias. A programação passaremos em seguida assim que for organizada.

Dimi, Layla, Neo e Grazi - Família a bordo

O Projeto

O Projeto Família a Bordo surgiu em 2011 e consiste em uma família apaixonada por cultura que viaja de cidade em cidade, cobrindo e participando de eventos culturais, fomentando as cenas locais, trocando experiências socioculturais e registrando tudo que acontece. 

Composta pelo músico, escritor e poeta Neo One Eon, pela produtora cultural e agente literária, Grazi Calazans, e por seus dois filhos, Layla Calazans e Dimitri Calazans, a Família leva na bagagem um combo cultural composto por intervenções musicais, ações de incentivo à leitura, oficinas de produção cultural e de multimídia, curtas-metragens e documentários que carregam no laptop para sessões públicas de cineclubismo.

                             

Em um mundo tão conturbado e frio, que muitas vezes vai se tornando menos humano, a cultura apresenta um papel de fundamental relevância para que se altere esta ordem. O projeto Família a Bordo busca então um mundo com mais cultura, amor, desejos e sonhos concretizados, através de mais livros sendo lidos, de mais cultura sendo levada a pequenos municípios e de um contato mais próximo e real entre artista e público.

Abertura dia 09 de maio - ESPAÇO VILLA HAUER CULTURAL - DESENHOS DE IRINA LUCERO

ABERTURA 09/05/2014 - Sexta-feira às 19:00hs!!

A Artista plástica nascida na Província de Córdoba , Argentina, e que atualmente reside em Ponta Grossa-PR, Irina Lucero, Irins, faz com sua nova exposição Elementais um convite as pessoas a se conectarem por meio das imagens com a natureza, estimulando a sensibilidade e o respeito a todo ser vivente.

As obras são desenhos em papel usando diferentes técnicas, principalmente lápis acuarelavel e Grafite, mas também caneta esferográfica, giz pastel, carvão e técnica mista.

Classificação: livre

Permanência de 02 a 31 de maio de 2014

Horário: de terça a sábado das 14:00hs às 18:0hs.

Local: Villa Hauer Cultural

Valor: gratuito

Informações
villahauer@gmail.com
Telefone(41) 3333-7652

08 de maio - EXPOSIÇÃO MUNDO DE ARTISTA

MUNDO DO ARTISTA

  

Exposição cultural em homenagem ao dia do Artista Plástico, 08 de maio.

A mostra traz 16 artistas, sendo eles:

Alani F. de Mello, Álvaro Wambier Junior, Carla Schwab, 

Eloir Jr., Felipe Sekula, Janete Fernandes, Janete Mehl, 

Junior Postai, Katia Velo, Kézia Talisin, Oswaldo Fontoura Dias, 

Suzana Lobo, Suzete Cidral, Tânia Leal, 

Waltraud Sekula e Wilma Vanessa Wambier.

Cada Artista apresenta uma visão artística sobre seu mundo 

através de interferências em globos suspensos, com diferentes técnicas, 

suas ideologias, percepção artística e contexto em que está inserido. 

Esta instalação aérea possibilita que as obras sejam observadas 

sobre todos os ângulos e seu conjunto forma através da 

diversidade da expressão artística presente, um universo tridimensional, 

onde a criatividade é o DNA da exposição.

 

A mostra é idealizada por Oswaldo Fontoura Dias, coordenador da exposição, cuja intenção é fazer uma reflexão sobre o papel que o Artista Plástico exerce nas questões inerentes ao dia a dia de todos nós.

Serviço:

Abertura: dia 8 de maio, das 18h às 20h30

Local: Galeria de Arte da Fundação Mokiti Okada

Rua: Manoel Eufrásio, 1400 - Centro Cívico – Curitiba - PR

Visitação: De 08 de maio a 08 de junho de 2014

Horário: segunda à sexta das 9h às 20h

Sábados das 9h às 18h

 8 de maio, dia do Artista Plástico

A data foi escolhida em homenagem ao pintor 

José Ferraz de Almeida Júnior, um dos artistas brasileiros 

mais importantes - século XIX. Nasceu em Itu (SP), 

no dia 8 de maio 1850. 

Aos 19 anos entrou para a Academia Imperial de Belas Artes, 

no Rio de Janeiro, onde foi aluno de Jules Lê Chevrel, 

Victor Meirelles e Pedro Américo. 

Em 1876, recebeu uma bolsa de estudos do Imperador dom Pedro II 

e seguiu para Paris, onde participou da exposição arte mais 

badalada da época, o Salon Offíciel dês Artistes Français. 

O pintor produziu cerca de 300 obras, e entre seus quadros 

mais famosos estão Violeiro, Picando Fumo e Caipiras Negociando, 

que retratam o dia a dia do homem do campo. Almeida Júnior morreu assassinado dia 13 de novembro de 1899, em Piracicaba (SP). 

Em 1950, 8 de maio foi oficializado como Dia do Artista Plástico Brasileiro.

Fonte: Livro: A origem de Datas e Festas
Autor: Marcelo Duarte
Editora: Panda Books

Esta menina de 16 anos, participou com um desenho a Lápis no mais Famoso concurso do mundo.

COMPARTILHADO DE: http://circoviral.com/

Eu ainda não posso acreditar que eu fiz isso só com um lápis. Shania é uma adolescente e veja sua pintura.

E este retrato, que tem sido chamado de "Coleman", é o que lhe permitiu ganhar o primeiro prêmio.

O desenho da mão apenas com um lápis.

A CULTURA DO EDITAL PARA ARTE

Compartilhado de http://acrasias.wordpress.com

Nas duas últimas décadas, a cultura do Edital tornou-se endêmica e domesticou os artistas na prática de realizar “projetos”. No campo da própria estética, o artista há muito é tido como mero “propositor” – o que certamente facilitou sua inserção nos Editais públicos, a menos que tenha sido o contrário… No livro Antropologia do Projeto,J-P. Boutinet[1] discorre acerca da pregnância do “projeto” na contemporaneidade; sobre ele tecemos algumas reflexões relativas à arte:
A proposição, como limitadora da experiência que busca antecipar, reduz a arte de certo modo a um problema depertinência. Circunscrevendo a obra dentro de “conceitos” teóricos que a referenciam, corre ela o risco de se tornar mera relação epistemológica de inferências – ou seja, “eu consigo depreender desta obra o pensamento do filósofo Fulano de Tal, etc”. Essa identificação entre signo (elementos da própria obra) com um fundo teorético de validação significadora cria um circuito fechado, no qual a constatação “correta” encerra (e limita) o alcance da obra. Mesmo a “correção” destas induções pode facilmente incidir em arbitrariedades, cujas expressões mais comuns são do tipo “você pode pensar assim também…”, ou “toda interpretação é válida, o artista está apenas propondo uma reflexão sobre isso”, etc. Uma espécie de jogo erudito de decodificações.
Mas a forma que essa expressão tomou é que é mais problemática. Há décadas artistas têm produzido “projetos”, aparentemente sem se darem conta de que arte não se realiza por projeto. Este se configura quase como o decreto: determina previamente os condicionamentos futuros (indetermináveis) da produção criativa. O projeto é uma “intermediação” – adequação de algo para estar em conformidade com o disposto; ou em condições de assumir patamares previstos, mensuráveis, de atuação.
Um sintoma crítico da arte “sob medida” para os Editais é sua subsunção em uma figura formal tecnicista:

A cultura técnica dentro da qual evoluiu essa figura [o projeto] é justamente caracterizada por seu desejo de apropriação, de monopolização, de presença obsessiva; essa fragilidade do projeto se revela ainda mais evidente porque ela se tornou hoje, em nosso meio sociotécnico, uma referência incontornável. (BOUTINET, 2002)

O projeto incorpora a arte dentro da cultura política tecnocrata, conduzida desde a ordem mais abrangente e superestrutural – como as plataformas de ações partidárias, planos diretores e previsões orçamentárias dos governos, até os meios mais comezinhos da expressão do mercado, do tipo “descreva em seu currículo quais são suas intenções em relação a nossa empresa”.

A arte ministrada nas Academias atua assim sob um permanente paradoxo: marcada pelo pensamento pós-estruturalista ou pós-moderno, adapta-se, contudo, à disponibilidade de aparelhos e técnicas “modernos” por excelência, sintetizados na figura do “projeto” – figura de emulação da razão moderna que instrumentaliza e operacionaliza intenções e propósitos. A metodologia da arte, no entanto, é organizada por uma dinâmica própria, o tempo da convivência e permuta de experiências e aprendizado, tempo de cura, secagem, cristalização, etc. de seus materiais expressivos constituintes. A arte tradicional, moderna, cujos procedimentos e métodos foram duramente contestados pelo pós-modernismo (hipostasiada na figura da “técnica”), hoje nos prova a inaplicabilidade da arte quando submetida a projetos; ou melhor, a inoperância do projeto enquanto aparelhamento da artesania.

Sua metodologia não pode ser determinada por exigências prospectivas, uma vez que dependem das oscilações próprias do artista – ao invés de determinar de fora suas limitações, são justamente essas limitações que determinam o devir da própria expressão, conduzindo a práxis ao dispor seus recursos, orientá-los, moldá-los em conformidade com o processo dinâmico de interação do artista com eles; muito diferente de uma regulação prévia da própria disposição do artista – como ordenam o Edital.

Uma característica do projeto capaz de defini-lo é sua finalidade reguladora. Desta regulação depende o Estado ao impô-la sobre a produção artística como condição de financiamento. Não existe outra razão para existência dos Editais, senão a regulação das finalidades (e não da metodologia) das obras de arte. A metodologia, como dissemos,  a “operacionalização prática” da obra, é um dispositivo endógeno da produção, auto-determinada.

A submissão de uma obra a um Edital implica a adesão aos pressupostos reguladores, expressos já em sua própria forma – (revelando em si mesma a adesão pro forma): “os que assinam o presente Edital comprometem-se com a observância de seus dispositivos legais” – e consequente submissão à eleição do fórum decisório aos recursos interpostos (já os antecipando e regulando de antemão): “Comarca da Capital”, etc. Típico caso em que a aparência não pressupõe significado “de fundo”: nela mesma estão explícitas as coordenadas de sua operação. A finalidade da obra não pode estar em contradição com os dispositivos do Edital – quais sejam: regular a finalidade da obra. É um movimento endógeno, em direção a si mesmo. Nada pode fugir ao controle – não das indefinições da poiesis, mas dos dispositivos exteriores do Edital.

Noutras palavras, o artista não mais é submetido à imprecisão e à efemeridade da expressão plástica, à ambiguidade constitutiva da criação – o que o submete são as cláusulas do Edital, que o condicionam “de fora”. O funcionamento do Edital prevê e obriga a execução do trabalho, independentemente das intempéries e oscilações próprias do fazer artístico, interpondo o acaso da experimentação à regularidade dos cronogramas; pressupondo o consumo na planilha de gastos; determinando seus procedimentos no confinamento de relatórios parciais; delimitando, por fim, o trabalho final numa exposição pré-agendada, inclusive regulando a forma de sua publicidade.
Em resumo: é assim que a poética é subsumida aos dispositivos do poder. Se o trabalho artístico propõe a desconstrução de visões hegemônicas, utopias anarquistas, estratégias contra-cultura e contra a ordem estabelecida, ao passar pelas instâncias referendadas pelo Edital reinsere-se na lógica normativa do poder.

Só não vê, quem não fala…


[1]BOUTINET, J. P. Antropologia do Projeto. Porto Alegre: Artmed, 2002. Textos: Prefácio e capítulo 1 “Liminar: do conceito ao paradigma”. [PDF: BOUTINET_Antropologia do Projeto_cap1]

Avalie isto:

Como se descobre uma pintura falsa?

Compartilhado da Revista Superinteressante

por Daniel Schneider

Quando a falsificação é grosseira, os especialistas utilizam um aparelhinho barato e eficiente: o olhômetro. Mas fraudes mais sofisticadas só são oficialmente desmascaradas após minuciosas avaliações e exames multidisciplinares.

Fazer a verdade vir à tona tem seu preço. Mais exatamente, R$ 16 mil, valor cobrado pelo Laboratório de Ciência da Conservação (Lacicor), da Faculdade de Belas Artes da UFMG, a única instituição brasileira cujos exames valem como evidência indiscutível na Justiça. Obrigatoriamente, participam de cada análise do Lacicor 4 cientistas: um historiador da arte, que analisa os traços de estilo do autor à procura de distorções; um conservador, que analisa o estado físico da obra e suas possíveis restaurações; um grafodocumentoscopista, que faz a perícia da assinatura do autor; e um químico, que faz análises da composição dos materiais presentes na tela. Cada exame e seus comentários são reunidos em laudos que costumam ter em torno de 100 páginas.

Desde a inauguração, em 1995, o laboratório já analisou 200 pinturas — 90% falsas. Para o professor Luiz Souza, coordenador do laboratório, existe risco de uma fraude passar pelos testes sem ser denunciada. “Não quer dizer que ela ‘tenha enganado a todos’. É que às vezes não dá para ter certeza da falsificação”, diz.

Teste de fidelidade
Conheça os exames que podem garantir a autenticidade de uma pintura ou esmascarar uma fraude

O suspeito
O Lacicor investigou um quadro atribuído a Diego Velásquez (1599-1660), mas aparentemente uma imitação de The Woodsman, de Thomas Gainsborough (1727-1788).

Assinatura
O exame completo também analisa a assinatura do quadro, para verificar se ela se assemelha a outros exemplos conhecidos.


Infravermelho
Esses exames rendem gráficos que em conjunto são uma espécie de “impressão digital” do quadro, que são comparados com outros do mesmo autor e do mesmo período.


Análise química
Feita com amostras da obra, permite identificar sua idade e as substâncias utilizadas pelo autor.


Luz rasante
Um foco de luz paralelo à superfície da pintura permite analisar detalhes do relevo das pinceladas.


Luz ultravioleta
A fluorescência da “luz negra” não serve só para desvendar o Código Da Vinci. Ela também realça restaurações, danos e outros detalhes invisíveis a olho nu.


Raio X
Ele permite enxergar através das camadas de tinta. É possível detectar o método utilizado para pregar a moldura e até pinturas distintas abaixo da superfície

Warburg - Banco comparativo de Imagens

Compartilhado de http://www.unicamp.br/chaa/warburg.php

“Warburg – banco comparativo de imagens” é um instrumento de busca destinado a associar relações entre formas que se repetem de uma imagem à outra, sem hierarquia nem temporal, nem de natureza. Esse procedimento pressupõe um modelo – ou fórmula – gerais, ou abstratos, que preside à tais relações e nos quais as imagens afins se encontram. Seja a expressividade corporal, seja a organização visível do espaço ou da superfície, seja a ordem cromática encontrada, as associações são escolhidas de modo a estabelecer esse encontro das obras entre si. Sobre a busca: ao acessar o site, o campo de busca de imagens irá aparecer. Neste campo basta inserir as informações desejadas. Trata-se de uma pesquisa geral do Warburg, ou seja, qualquer informação de uma obra é passível de pesquisa. Desta forma, nome do artista, título da obra, instituição etc. são opções. Para cada imagem do banco há um número de palavras-chave que podem ser pesquisadas também neste campo. Ao inserir palavras como, cabelos, seios ou qualquer outro elemento de uma imagem, o campo exibirá resultados. Para outras informações sobre a busca, clique aqui.

Uiara Bartira, a inquieta

Uiara Bartira em frente a uma das pinturas de Ecce Mondo, que estará em cartaz no Solar do Rosário: “detesto posar, não sou fotogênica”

A artista plástica inaugura hoje, no Solar do Rosário, mostra com 20 obras recentes e lança o livro Ecce Mondo, que retrata seu envolvimento com a pintura

Compartilhado do caderno G da Gazeta do Povo / Publicado em 13/04/2014 | ISADORA RUPP

Já formada pela Escola de Belas Artes do Paraná e chegando na casa dos 30 anos, a artista plástica Uiara Bartira se viu em meio a uma crise: seguiria ou não o caminho das artes? Um dia, choramingando ao telefone com a mãe, Cléo, sobre a situação, ouviu dela a frase que tomou como mantra para toda a vida: “minha filha, pare de chorar. Coloque este choro na sua obra, porque o artista não é aquele que quer ser, é aquele que é.” Uiara nunca mais esqueceu as palavras, e lá se vão mais de 30 anos de arte.

A artista, que vem emendando um projeto no outro, lança hoje, às 11 horas, no Solar do Rosário, uma nova exposição e livro, Ecce Mondo, apenas seis meses depois de abrir uma grande retrospectiva no Museu de Arte Contemporânea (MAC).

Exposição

Ecce Mondo

Solar do Rosário (R. Duque de Caxias, 4 – Largo da Ordem), (41) 3225-6232. Exposição com 20 obras de Uiara Bartira, mais lançamento de livro homônimo. Inauguração hoje, às 11 horas. A mostra pode ser visitada de segunda a sexta-feira, das 10 horas às 19h30. Sábados e domingos, das 10 às 13 horas. Entrada franca. O livro Ecce Mondo terá distribuição gratuita em escolas da rede pública municipal, e estará à venda a R$ 50 na livraria do Solar do Rosário e na Livraria da Vila, no Shopping Pátio Batel

“Sempre trabalhei muito, às vezes fico pensando que não tenho muito tempo para outras coisas. Mas foi a arte que me escolheu, não fui eu quem a escolhi, não. Tenho certeza disso.”

Uiara Bartira, artista plástica.

Na nova mostra, estão reunidas cerca de 20 obras realizadas de 2010 para cá, todas elas pinturas e desenhos, o que foge da área que consagrou Uiara, a gravura. Seu nome na técnica é tão representativo que foi ela a organizadora do Museu da Gravura de Curitiba. No novo livro, além das imagens dos trabalhos, há ainda um texto da artista refletindo sobre a cor, o movimento e as formas na pintura.

“Todo o artista ama a pintura. A gravura, a escultura, são técnicas que sempre tiveram um dono, alguém a criou. Já a pintura não, então é um desafio para criar, é algo de paixão mesmo”, teorizou a artista enquanto posava para as fotografias da reportagem, em frente de uma enorme tela que integra a mostra. “Eu detesto fotos! Quando era moça já detestava, imagina agora.”

Uiara, que começou sua carreira na década de 1980, explica que sua relação com a pintura se dá principalmente por meio do estudo da cor, e de como ela evolui. “Para mim, foi um desafio”, conta a artista. Além da tela de grande dimensão, também há desenhos de figuras, mas não representativas. “É algo meio surrealista, mas não vou definir, porque não sei direito ainda. Mas trabalhei a vida toda para isso, para que as imagens não sejam apenas uma representação. Com a invenção da fotografia, a pintura ganhou liberdade, e a arte virtual hoje também cria outra situação para a pintura.”

“Workaholic”

Uiara é o tipo de pessoa que não para: quando não está criando obras novas em seu ateliê montado na casa da filha (onde ela acaba trabalhando junto com os netos, que pegaram gosto pela área), está organizando novos projetos ou estudando. Acabou de concluir uma especialização em Fotografia, na Universidade Tuiuti e, no ano passado, ficou meses envolvida na abertura da mostra Conciliar, em outubro, no Museu de Arte Contemporânea, que também teve catálogo homônimo.

Para reunir as 180 obras da exposição (que continua em cartaz no MAC até o final desse mês), ela precisou rever boa parte de seu acervo, o que gerou uma compilação inédita, mas também uma baita alergia. “Fui mexer em coisas de 15 anos atrás sem luva, nem máscara. Peguei uma bactéria e fiquei muito mal.”

Um mês depois, ela doou 41 obras, entre xilogravuras (madeira) e gravuras em metal para a Pinacoteca de São Paulo. Os trabalhos foram escolhidos pelo diretor do espaço, Ivo Mesquita, e pelo curador de gravuras, Carlos Martins. A negociação, que levou cerca de um ano, aumentou o número de espaços que têm no acervo obras da artista, como o Museu Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro, e o Oscar Niemeyer. “Eu sempre trabalhei muito. Às vezes fico pensando: eu só trabalhei! Não tenho muito tempo para outras coisas”, diz a artista, que desde criança se envolveu com a arte, um “olhar mais interno”, como prefere dizer.

Estudou piano por oito anos, o que, segundo ela, lhe deu uma noção enorme de espacialidade, além da disciplina. No colégio interno, as freiras pediam para as alunas desenharem partituras musicais com nanquim. “Não tinha educação artística nessa época, mas tive esse privilégio de sempre ter arte na escola.”

Em casa, a atmosfera era a mesma: uma tia musicista vivia com a família, e ela lembra como o lar se transformava em uma grande oficina, com lantejoula para todos os lados, quando bordavam máscaras para o Carnaval. “Sempre fui incentivada, não podia dar em outra coisa. Mas foi a arte que me escolheu, e não eu. Tenho certeza.”