Exposição Frida Kahlo no MON

Em única passagem pela América do Sul, exposição Frida Kahlo vem ao Brasil

Em 1937, devido a seu estilo e personalidade incomparáveis, Frida Kahlo foi capa da revista Vogue

Compartilhado de :http://glamurama.uol.com.br/ Por Caroline Mendes

Frida Kahlo foi uma das mulheres mais originais de seu tempo. No pano de fundo de sua vida está uma deficiência física decorrente de poliomelite e um grave acidente que sofreu aos 18 anos, quando foi submetida a mais de 30 cirurgias. Mas sua militância no Partido Comunista, seu tumultuado casamento com o muralista Diego Rivera, seu estilo ímpar e, principalmente, sua obra a consagraram como uma das mulheres mais importantes de todos os tempos.

E a partir desta quinta-feira, um pouco de sua vida e obra será contado na exposição “Frida Kahlo – As Suas Fotografias”, no Museu Oscar Niemeyer, em Curitiba. “A fotografia sempre esteve muito presente na vida dela por causa do pai, que era fotógrafo profissional e a ensinou a empunhar uma câmera e valorizar esse tipo de arte. O autorretrato, por exemplo, foi uma grande influência para seus quadros”, explica Hilda Trujillo, diretora do Museu Frida Kahlo, a Casa Azul.

As mais de 200 fotos em exposição foram escolhidas em meio a quase 6500 registros encontrados junto com vestidos, joias, quadros, desenhos e objetos pessoais da artista descobertos há apenas 10 anos em um dos banheiros da Casa Azul. “Frida colecionava fotografias, então, além de fotos que o pai dela e ela mesma fizeram, muitas foram compradas por Diego em viagens ou foram presentes”, detalha Hilda. Ela ainda explica que as imagens são, na verdade, fac-símiles, em respeito a um dos pedidos que Diego Rivera fez em testamento: nada deve sair da Casa Azul. Soa romântico…

“Frida Kahlo – As Suas Fotografias” ficará em cartaz até o dia 2 de novembro, quando partirá rumo à Alemanha, para depois voltar ao México e seguir para Austrália, Nova Zelândia e Estados Unidos. A ocasião vale uma ponte-aérea até Curitiba, já que o Brasil é a única parada da exposição na América do Sul. Prestígio.

Confira abaixo algumas das fotografias que integram a exposição e anote uma dica do Glamurama. A cinebiografia “Frida” foi lançada em 2002 e venceu duas das quatro categorias em que concorreu ao Oscar. Filmaço! Play no trailer.

Frida com 5 anos, Anónimo, 1912. ©Museu Frida KahloCréditos: Array

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http://youtu.be/uOUzQYqba4Y

“Frida Kahlo – As Suas Fotografias”
Onde: Museu Oscar Niemeyer – Rua Marechal Hermes, 999, sala 3, Centro Cívico – Curitiba/PR
Quando: de 17 de julho a 2 de novembro, de terça a domingo, das 10h às 18h
Informações: http://www.museuoscarniemeyer.org.br/

PORTINARI MOCHILEIRO: ANDANÇAS DO PROJETO PORTINARI PELO BRASIL

publicado em artes e ideias por Isabela Braga

Você já apreciou alguma obra de Candido Portinari?
Se a resposta foi não, fique atento, o Projeto Portinari é uma iniciativa que leva a Arte
deste fantástico ser humano para muitos lugares do Brasil. A sua cidade já pode ter sido
 inundada pela beleza das obras dele ou está quase fazendo parte dos mais privilegiados
espaços desse universo.

 Portinari. A última ceia. Pintura à óleo/tela. 96 x 130cm

O Projeto Portinari nasceu em 1979, através de João Candido Portinari, isso mesmo, o filho
do mestre. O objetivo deste projeto é oferecer a identidade e a memória nacional para os
brasileiros, afinal entre Brasil e Candido existe (um artista nunca morre) íntima relação.
Portinari retrata, recria e revive o Brasil. Não esquecendo a ação sociocultural que as obras
 oferecem e os mais de 50 profissionais que fizeram e fazem o projeto acontecer.

 Portinari. Retrato de João Candido com cavalo.Pintura à óleo/tela.100 x 81 cm

O Projeto já possui os seguintes resultados: Levantamento de 5.300 pinturas, desenhos e gravuras
 atribuídos ao pintor, assim como de mais de 25 mil documentos sobre sua obra, sua vida e sua
 época; pesquisa da autenticidade das obras (“Projeto Pincelada”); processamento digital das
 imagens; organização do arquivo de correspondência (mais de 6 mil cartas) e do acervo de
 fotografias históricas, filmes e recortes de mais de 10 mil periódicos, livros, monografias,
 textos e memorabilia ; registro de mais de 70 depoimentos de artistas, intelectuais, políticos,
 amigos e parentes de Portinari, totalizando mais de 130 horas gravadas
 (“Programa de História Oral”); publicação do Catálogo Raisonné “Candido Portinari –
Obra Completa”, primeira publicação dessa natureza em toda a América Latina. Fonte: Site oficial do Projeto Portinari

 Arquivo fotográfico de referências históricas. Portinari e seus pincéis.

E se alguns não acreditam que Museu/Arte não tem nada haver com Educação,
 o Projeto mostra que não é bem por aí. O Núcleo de Arte-Educação e Inclusão Social
apresenta projetos de ensino-aprendizagem associados às obras de Portinari,
oportunizando aos estudantes adentrar na magnífica Arte do mestre. Isto é tão
 significativo para mim, pois, trabalho com Arte/Literatura nas escolas públicas,

e sinto a necessidade que os alunos possuem em conhecer e criar obras de arte.

 Portinari. Denise com carneiro branco. pintura à óleo/madeira. 61 x 50 cm.

Deve-se ressaltar que o projeto leva às cidades algumas réplicas ou originais das obras do autor.
As exposições são organizadas de acordo com suas temáticas. Entre as cidades que já foram
contempladas, estão: Belo Horizonte, São Paulo, Rio de Janeiro, Belém, Fortaleza...
E, vôos internacionais estão sendo planejados.

Como amante das Artes Visuais, tive a feliz oportunidade de visitar a exposição Guerra e Paz
em Belo Horizonte. Foi uma das melhores experiências vividas por mim, tudo que se encontrava
 ali era um pedaço da vida de Portinari: Pinturas, Gravuras, objetos do autor que o ajudavam na
produção de sua arte, homenagens de outros artistas a Portinari – através de esculturas, frases...
– me emocionar não foi difícil. Por fim, aconselho você a conhecer une petit parte da vida de
 Portinari. Creio, não se arrependerá!

Se você se interessa mais pela vida e obra de Candido Portinari e também pelo projeto, acesse:

Sites: http://www.portinari.org.br http://www.guerraepaz.org.br/#/home

Twitter: https://twitter.com/projportinari

Youtube: http://www.youtube.com/projetoportinari

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Exposição de gravuras do Artista Celso Coppio no Shopping Palladium.

EXPOSIÇÃO GRAVURAS DE CELSO COPPIO NO PALLADIUM SHOPPING CENTER PONTA GROSSA
Com o apoio cultural do PALLADIUM SHOPPING CENTER, da REDE SLAVIERO HOTÉIS, através do Hotel Slaviero Executive Ponta Grossa e da jornalista e colunista JOSELDE TUMA, o artista CELSO COPPIO 
dirige-se ao público, apresentando uma série de gravuras e mini gravuras que representam, com fidelidade, 
seus originais comercializados desde os anos 80.
A exposição realizar-se-á no PALLADIUM SHOPPING CENTER de Ponta Grossa, Paraná, do dia 21 ao dia 26 de julho.

                                       Celso Coppio e Joselde Tuma

Celso Coppio Galeria e Escola de Arte

Rua Fernando Simas, 388 - Bigorrilho, Curitiba - PR, 80430-190

(41) 3222-5288

Exposição “Minhas Cores” da Artista Katia Velo na Fundação Mokiti Okada

Acontece nesta terça-feira,  15 de julho,  das 18h às 20h30 na Fundação Mokiti Okada (ao lado do Museu Oscar Niemeyer) a nova exposição “Minhas Cores” da artista plástica, colunista cultural, curadora e professora de arte Katia Velo.
De acordo com a artista, vários artistas a influenciam, alguns deles Matisse (pelo uso das cores), Aldemir Martins (pelo uso das cores puras e primárias), Beatriz Milhazes (pela feminilidade), Frida Kahlo (pelo envolvimento pessoal).

Sobre a exposição “Minhas Cores”

Intensidade da cor

A intensidade da cor é o universo no qual se desenvolve boa parte do trabalho de Katia Velo. Lidar com as tonalidades é um grande desafio, pois se trata de um conjunto tão amplo que sempre há o risco do artista se perder, sem saber em qual direção pode desenvolver a sua pesquisa visual.

Katia Velo opta por percorrer a jornada das manchas e dos diálogos cromáticos. Existe um caminho diferenciado por um movimento interno, intuitivo, mas que também se caracteriza por uma sucessão de escolhas, em que cada uma delas alerta para um questionamento do próprio significado da criação.

Ao se contemplar o resultado da pesquisa, é possível dizer que as cores são para a artista uma forma de expressão e, acima de tudo, de diálogo com o mundo, por meio de seu trabalho, ela permite que se pense a cor não apenas como uma manifestação perceptível ao olhar, mas como uma interpretação da realidade.

Desse ponto de vista, ou seja, de um amadurecido processo de reflexão sobre aquilo que vem fazendo ao longo de sua trajetória, Katia Velo traz, em suas veredas coloridas, um fértil lirismo particular, marcado pela coragem do arriscar e pela liberdade de dizer aquilo que deseja por meio das conversas entre o que pretende e o que realiza.

Oscar D’Ambrosio é doutor em Educação, Arte e História da Cultura pela Universidade Mackenzie e mestre em Artes pelo Instituto de Artes da Unesp.

Realização:
 Coluna Katia Velo
 Fundação Mokiti Okada

Apoio:
 Brava Alarmes Monitorados
 Dona Ragnel Pães Artesanais
 Escola Evolutiva
 Evinha Britto Foto & Vídeo
 Guia SJP
 Jornal Folha da Mulher
 Savannah Ações em Comunicação
 Trevisan Comunicação Visual
 Vinhos Zanchetta
 Wizard SJP

 Serviço:
 Artista plástica: KATIA VELO
 Título: MINHAS CORES
 Local: GALERIA DE ARTE FUNDAÇÃO MOKITI OKADA
 Vernissage: Dia 15 de julho, das 18h00 às 20h30.
 Período de exposição: De 16 de julho a 11 de agosto de 2014.
 Endereço: RUA MANOEL EUFRÁSIO, 1400 – CENTRO CÍVICO – CURITIBA -PR
 Informações: Tel.: (41) 3026-3347
 Horário de visitação: Segunda à sexta das 9h às 20h/ Sábados das 9h às 18h
 ENTRADA: FRANCA      
CLASSIFICAÇÃO: LIVRE

Exposição “Catedrais” Artista Akiko Miléo no Museu de Arte Sacra da Arquidiocese de Curitiba,

Memórias poéticas nas obras em exposição no Masac

A artista plástica Akiko Miléo mergulhou em um universo povoado por memórias para criar as obras reunidas na exposição “Catedrais”, cartaz do Masac – Museu de Arte Sacra da Arquidiocese de Curitiba, a partir das 9h desta sexta-feira (18). Utilizando técnica mista sobre tela (acrílica, pastel, bastão oleoso, entre outros elementos), Akiko Miléo pesquisa e apropria-se de construções e fachadas antigas, ricas em ornamentos, deixando-se fascinar pelos arabescos. A mostra permanece aberta à visitação até o dia 19 de outubro de 2014, com entrada franca.

A composição poética, cuja beleza revela mistérios, percorre uma trajetória revisitada num túnel do tempo. A integração das obras é obtida pela harmonia entre os diferentes estilos que dialogam e desvendam o mundo da artista em relação ao público. “Os resgates do passado são acoplados a uma contemporaneidade que ora são momentos dramáticos, mas se invertem a um programa iconográfico global”, destaca no texto de apresentação o artista plástico Edilson Viriato, orientador e curador da exposição.

Natural de Cafelândia (SP), mas atualmente vivendo e trabalhando em Curitiba, Akiko Miléo é graduada em Educação Artística, com habilitação em Artes Plásticas, pela Faculdade de Educação Musical do Paraná (FEMP), hoje Faculdade de Artes do Paraná (FAP). Aperfeiçoou técnicas em diferentes áreas artísticas, frequentando cursos, oficinas e workshops.

A artista acumula diversas mostras coletivas pelo Brasil, além de ter conquistado prêmios em salões de artes. Suas obras integram acervos de instituições com sedes em Curitiba, entre eles os do Centro Cultural Brasil Espanha, Inter Americano Galeria de Arte, SESC Centro e Caixa Econômica Federal.

Serviço:
Exposição “Catedrais”, reunindo obras em técnica mista da artista plástica Akiko Miléo.
Período expositivo: de 18 de julho (abertura às 9h) a 19 de outubro de 2014.
Local: Masac – Museu de Arte Sacra da Arquidiocese de Curitiba (Largo da Ordem – anexo à Igreja da Ordem – Setor Histórico).
Horário de visitas: de terça a sexta-feira, das 9h às 12h e das 13h às 18h; sábados e domingos, das 9h às 14h. 
Entrada franca.

Marlon de Azambuja participa de coletiva na Athr Gallery / Arábia Saudita na exposição A Linguagem da Consciência Humana

Richard Deacon, alfabeto F 2011 de aço inoxidável. Pó-revestido,
298 x 225 x 5 cm. Cortesia do artista e Lisson Gallery, em Londres.

A Linguagem da Human
Consciousness

11 julho - 10 outubro 2014

Abertura: 10 de julho de 9:30

Athr Gallery
5 e RF Pisos, Torres Comerciais
Serafi Mega Mall
Jeddah
Arábia Saudita Horas: sábado a quinta-feira 09:00-06:00,                                         tempo Ramadan: meio-dia e 17:00 21:30 à meia-noite

Por milhares de anos, a questão de saber se os conceitos básicos de geometria veio naturalmente para todos os seres humanos ou se tivessem de ser ensinado tem sido explorado. De acordo com os escritos de Platão, Sócrates tentou determinar o quão bem um escravo ignorante em uma casa grega entendido geometria e, finalmente, concluiu que a alma do escravo "deve ter sempre possuído esse conhecimento." No meio do caos surpreendente; seres humanos por isso muito instinto procurar encontrar ordem neste caos, a raciocinar com ele; traduzi-la para uma linguagem que é, talvez, visual e universal é um campo comum de exploração para os cientistas e artistas.

Athr Gallery vai entregar uma exposição inovador intitulado A Linguagem da Consciência Humana em julho e contará com o trabalho por mais de 39 artistas de todo o mundo entre eles o brasileiro Marlon de Azambuja. A maioria destes artistas estarão expondo trabalhos pela primeira vez na Arábia Saudita e no Oriente Médio em geral. Para inaugurar a abertura em 10 de julho, diretor da Tate Modern, Chris Dercon vai moderar uma discussão com artistas pioneiros no campo quais são Rasheed Araeen, Dana Awartani, Richard Deacon e fundador da Galeria Agial Saleh Barakat, que estará representando o falecido Gebran Tarazi. 

Obras de artistas pioneiros como Josef Albers, Rasheed Araeen, Richard Deacon, Monir Shahroudy Farmanfarmaian, Sol Lewitt e Gebran Tarazi serão exibidos: Rasheed Araeen-um paquistanês nacional e com sede em Londres artista conceitual, escultor, pintor, escritor, curador e fundador do The Third Text -também estará participando na exposição com o seu trabalho, Zero a Infinity- de que uma variação do trabalho foi exibido e adquiridas pela Tate Modern. A instalação consiste em 36 cubos multi-coloridas. A discussão vai acabar com Rasheed convidando-os para mover as unidades ao redor da galeria, interrompendo a exibição uniforme para deixar os cubos em um arranjo mais complexo e espontâneo.  

A Linguagem da Consciência Humana tem geometria como um ponto de partida, aceitando a sua herança como um símbolo de pureza, inteligência e perfeição e levá-la para uma interpretação mais contemporânea como uma linguagem para explorar o atípico, o imperfeito eo alternativo. Obras são reunidos que buscam dissecar segmentos de vezes, contextos e lugares e abri-los até a interpretação universal. As obras, na potência da contradição entre as suas infinitas possibilidades de composições geométricas ea gama de suas referências-sociais, políticas, históricas ou outra arte-são reduzidos a um território neutro: para uma forma humana e concebível.

Artistas participantes são Josef Albers / Ricardo Alcaidie / Salwa Aleryani / Afruz Amighi / Rasheed Araeen / Dana Awartani / Marlon de Azambuja / Rana Begum / James Clar / Graham Day / Ayman Yossri Daydban / Richard Deacon / Adrian Esparza / Monir Shahroudy Farmanfarmaian / Mounir Fatmi / Basmah Felemban / Babak Golkar / Hazem Harb / Nargess Hashimi / Sahand Hesmayan / Saba Innab / Nadia Khawaja / Sol LeWitt / Hazem Mahdy / Sama Mara & Lee Westwood / Moataz Nasr / Timo Nasseri / Mujahedin Nurrahman / Seckin Pirim / Younes Rahmoun / Dania Al Saleh / Nasser Al Salem / Sara Salman / Gulay Semercioglu / Seher Shah / Ayesha Sultana / Gebran Tarazi / Michael John Whelan / Ralf Ziervogel

Compartilhado de http://www.athrart.com

Pra não dizer que não falei de arte 1

Texto de Marcus Faustini Compartilhado de http://oglobo.globo.com/cultura

Um lugar de renovação com pouco apoio é o cinema documentário

À medida que se consolida a ideia de economia criativa como caminho que marca a regulação de discursos dos programas de apoio ao ambiente de produção cultural no país, acontece a diminuição do apoio à experimentação das artes e o freio da potência da ação cultural comunitária. Não precisa ser estudioso no assunto para perceber que esse caminho não consegue responder aos desafios da produção cultural nem dar forma às políticas de cultura que correspondam ao direto e a diversidade.

O termo experimentação ou pesquisa estética/artística se torna cada vez mais raro em chamadas ou editais de fomento e incentivo às artes — quando aparece é como uma das linhas menos favorecidas, quase uma lembrança de algo que já foi maior ou uma justificativa para acalmar quem faz barulho. Em alguns casos, também se atrela o apoio aos processos de criação a resultados em formatos preestabelecidos, diminuindo a possibilidade de surgir novas expressões públicas de questões de nosso tempo.

A diminuição de continuados programas de apoio à experimentação na criação artística demonstra um lugar menor para a arte no debate de país. É como se a criação artística fosse apenas — agora considerada —- uma etapa primária de uma cadeia produtiva que no fim vira um produto a ser negociado como mais uma das possibilidades do mundo do consumo, sobretudo dos fins de semana. O efeito pode ser letal até mesmo para esse ambiente de consumo cultural. Não será surpresa se faltarem obras e ações estéticas com força capaz de atrair interesse público — por sua capacidade de gerarem novas expressões para questões de nosso tempo — e só restarem as canecas souvenires.

Não digo que a arte está morrendo ou qualquer outra declaração apocalíptica, feito entrevistas charmosamente alternativas para revistas de arte. O campo dos fazedores de arte percebe-se e inventa novos trânsitos e formas de criar e agir, sobretudo com processos colaborativos, ocupações coletivas e ativismos pedagógicos que envolvem também pessoas até então consideradas apenas espectadoras de obras artísticas.

Ao mesmo tempo, acompanhamos o freio nos últimos anos da potência da ação cultural comunitária, que foi a grande marca das políticas de cultura do governo Lula com a gestão Gil/Juca no MinC, através dos pontos de cultura. Nesse momento havia inclusive um direcionamento, em escala maior, para conexões artísticas com e entre esses espaços através de bolsas de interações estéticas e forte inclinação para um vínculo com a cultura digital, garantindo sentido de inovação do lugar de fala e expressão dos fazedores do campo popular da cultura.

Tudo isso, de maneira sistemática, vem deixando de ser prioridade, à medida que o conceito de economia criativa ganha força como salvador da economia da cultura. Cabe lembrar que esse conceito foi inventado na Austrália para renovar antes de tudo a indústria, agregando valor cultural, e depois expandido na Inglaterra, com forte pegada na ideia de renovação de territórios esvaziados economicamente, através de clusters culturais. Por aqui, o discurso se generalizou com seminários e incubadoras que consomem mais verbas na mediação do que apoio na ponta para as ações, tendo tendência a favorecer campos ligados à indústria que usa de atributos culturais. Não estou criticando quem levanta essa “bandeira”, mas seu uso generalizador de substituição, como algo que traz sustentabilidade ao campo cultural e que é sugerido como um caminho até mesmo para quem começa. Estudos e ativismos (na Europa,inclusive!) já apontam para a possibilidade de que o uso desse conceito como hegemônico pode aprofundar desigualdades na produção, ceifar renovações estéticas e direitos culturais.

Vejamos brevemente o caso do teatro, como exemplo — uma linguagem artística consolidada em nosso imaginário, ao mesmo tempo em que é uma das primeiras formas de participação na vida social da juventude com os grupos de teatro comunitários, escolas, igrejas etc. Não existe nenhuma política permanente de apoio, nas esferas nacionais ou estaduais, para experimentação estética de grupos amadores ou profissionais, resumindo-se a alguns solitários editais anuais a apoio de montagens de peças para salas de espetáculo e nenhuma solução para os desafios de produção, circulação e memória da linguagem.

Outro lugar de renovação com pouco apoio é o cinema documentário — que já deixou de ser apenas jornalístico por aqui faz tempo, flertando inclusive com videoarte em alguns casos e sendo forte voz política em outros casos, renovando a cena de realizadores.

Colocar a arte de lado, com apoios apenas reparadores, na função de revelar uma identidade nacional ou local é hoje não apostar em possibilidades de expressão das novas errâncias do país. Mais do que nunca, o apoio à experimentação torna-se necessário. E a arte nunca correu do desafio, trouxe contribuições para a política, a educação e outros usos  e públicos.

Orixás transformam-se em super-heróis no primeiro filme africano do gênero

‘Oya - Rise Of the Superorisha’ começou a ser

 produzido a partir de vaquinha virtual

                           compartilhado de  O GLOBO - 07/07/2014 

Cena do filme que retrata orixás como super-heróis - 

DivulgaçãoA humanidade caminha para a autodestruição 

e somente um super-herói com poderes divinos pode salvá-la. 

O enredo que poderia ser visto em qualquer filme do Thor,

 Hércules ou até Cavaleiros do Zodíaco, terá uma versão africana 

com os orixás como protagonistas.

"Oya - Rise Of the Superorisha" (Oya - A ascensão do superorixá, 

em tradução livre) será o primeiro filme de super-herói africano e 

contará a história de Oya, a única deusa orixá que ainda possui 

vínculos com os humanos mesmo quando a maioria da humanidade

 já abandonou o culto aos orixás.

Baseado na crença Santeria (que possui muitos aspectos da religião 

católica e do candomblé), o filme nigeriano foi escrito e está sendo

 dirigido por Nosa Igbinedion. No filme, a missão de Oya é encontrar

 uma garota capaz de abrir o portão entre os humanos e os orixás 

que o mundo não caia em desgraça mas uma série de inimigos, 

que usam a religião de forma deturpada, tentam interromper os planos de Oya.

“'Oya - Rise Of the Superorisha' é mais do que um filme é um movimento! 

Nosso objetivo é empurrar os limites dos filmes africanos e contar novas

 histórias. Que melhor maneira de fazer isso do que fazendo um filme de

 super-herói africano!”, afirma o anúncio no site oficial.

O filme só teve suas produções iniciadas devido uma “vaquinha virtual” feita a partir de divulgação na página do Facebook e do Twitter e ainda não possui data oficial para exibição.

http://youtu.be/WS6L_9Yu_y0

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